Amantes de las bajas pasiones cinematográficas…

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Albert Serra

–Tiene muchos admiradores, pero en todos los pases una parte del público a media película se escapa.
–Es la vida en general. Tampoco es una película para todos los públicos, y quienes se quedan disfrutan, hasta ríen. El humor la hace popular.

–La prensa francesa lo adora. Cahiers du Cinéma incluye Honor de cavalleria entre las 10 mejores películas de año. Libération le dedica varias páginas, y las críticas de El cant dels ocells<(La red suburbana de BCN son excelentes. ¿Se siente más querido fuera?
–Sentirse amado no va con mi carácter. Respondo por lo que hago, no por los sentimientos que genero. Pero es verdad, en Francia me siento más cómodo, más apoyado.

–Es el único director español en Cannes. ¿A qué se debe?
–Yo sé por qué me han escogido a mí, pero desconozco por qué no hay nadie más. Solo lo intuyo. Las películas españolas no están en sintonía con la onda actual del cine internacional. Son demasiado convencionales, siguen ancladas en viejas tradiciones. Los directores españoles se dedican al realismo tímido. En apariencia cuando tratan cuestiones sociales son incisivos, pero no se atreven a innovar ni en la temática ni en la forma. Filmografías como la de Rumanía están más avanzadas porque conectan con el cine moderno.

–Opta por rodar en catalán en un momento en que nadie se atreve.
–Primero porque es la lengua de los actores, salvo uno que habla en hebreo. Para mí es natural. Cannes no tiene ningún problema. Elige un cine artístico, en el que importan otras cosas. De todas maneras, rodar en catalán es un acto de valentía porque acota la producción. Hace que las películas sean más limitadas.

–Su obra parte de libros de trascendencia universal. Honor de cavalleria, con la que ya participó en la Quincena de Realizadores, surge de las páginas de Don Quijote, y El cant dels ocells, de las de la Biblia.
–Es casualidad, no esconde una ambición desmedida por adaptar grandes clásicos. Coinciden en ser relatos históricos rodados en exteriores.

–El Evangelio de San Mateo menciona a unos magos que vinieron de Oriente buscando al nuevo rey que habría de nacer. Apenas hay referencias sobre su origen, su personalidad, ni siquiera sus nombres.
–Eso me da más libertad creativa. Es una narración más abstracta, por no haber no hay ni conflicto. Es un simple viaje. Los reyes entran en ruta, llegan y se marchan. Son los más creyentes, son los pioneros. El cristianismo aún no había surgido y no se sabía nada de la influencia que tendría en la humanidad.

–Queda evidente la influencia del teatro del absurdo de Beckett.
–Sí, y también hay mucho de cine mudo, con esos largos planos fijos filmados en blanco y negro.

–De nuevo opta por trabajar con Lluís Carbó, Lluís Serrat Batlle y Lluís Serrat Masanellas, amigos de Banyoles que no son actores.
–No encuentro otros mejores. No son gente cosmopolita ni muy cultivada, les choca eso de viajar a Islandia para rodar. Su origen campesino les da un aire antiguo. Me recuerdan a los personajes de Pasolini. En El cant dels ocells, los actores son sombras, no tienen relieve psicológico. Todo es muy pictórico.

–¿Cómo trabaja el guión?
–Los diálogos son el secreto mejor guardado de todo director. Es una mezcla de improvisación, intuición y saber provocar a los actores.

– Cuando aparece un nuevo realizador y alcanza ciertas metas, como en su caso, es inevitable oír las innumerables influencies que algunos críticos ven en su obra. Es el caso de Passolini.

Es una buena afiliación. Igual que él, yo he apostado por realizar una película con actores no profesionales, con pocos recursos y en espacios naturales. También me gusta apelar a Bresson, por tratar la temática religiosa, mística o sujetos antiguos o clásicos.

– Aunque el film estuvo en la pasada edición de la Quinzaine des Réalisateurs, el público francés ha podido ver la película este año. Las críticas son fantásticas y el denominador común es calificar su primera película como una obra maestra. ¿Cómo describe usted Honor de caballería?

Se trata de una adaptación del espíritu del Quijote. La película pretende retratar el espíritu de los dos protagonistas principales. En realidad, es una metáfora, que recorre de forma aleatoria el libro y permite al espectador acompañarles. A través de simples fragmentos, he creado una atmósfera particular, expresamente ambigua y vaga. Así, los diálogos son banales. Todo se expresa de forma visual sin recursos narrativos propios. Se trata de pequeños detalles que me ayudan a forjar esta atmósfera: por ejemplo, uno de los personajes mira siempre al cielo y el otro al suelo.

– Otra de sus osadías de cineasta novel ha sido confiar en dos actores no profesionales.

Los actores profesionales me aburren porque son previsibles. Resulta más divertido encontrar otros nuevos. Tengo formación científica y para mí es casi una inclinación el hecho de obligarme a hallar nuevos rostros, nuevas sensaciones. Es por ello que he utilizado un sistema de trabajo muy intuitivo. Durante el rodaje, yo disponía de unas escenas, de los movimientos de cámara que deseba hacer y determinaba los temas de diálogo, que los actores podían desarrollar con mayor o menor libertad. La verdad es que he aprendido un poco de Passolini. En mi película, no hubo nunca un ensayo previo. Por otra parte, está rodada de forma casi cronológica: la primera imagen que aparece es la primera que se rodó.

– Después de haber sido reclamado en San Sebastián, Vancouver, Sao Paulo o Seúl, prácticamente se ha convertido en un especialista en festivales de cine internacionales.

Valoro de forma muy justa el hecho de que haya despertado la atención de todos estos festivales. La mía es una película que funciona por motivos exclusivamente cinematográficos. No obstante, reconozco que carece de los recursos habituales para cautivar al espectador: no hay música, no hay historia, no hay psicología, sólo la pureza de las imágenes y el resultado es la fascinación del espectador.

– Usted declaró en el diario Libération: “La psicología me hace vomitar”.

Es cierto, no me interesa imponer un sentido al relato fílmico. Prefiero incluso que los espectadores sepan más que yo sobre el sentido de mis películas. Tampoco pretendo ser extraño porque sí.

– Entonces, ¿cuál es la clave del éxito de su trabajo?

Escojo un tema un poco excéntrico e intento hacer con él algo lo más original posible para crear la reacción más intensa en aquel que lo ve. El mío es un cine poético, que persigue el arte por el arte. Contar historias me aburre. No quiero retratar el mundo, sino expresarlo.

– Sus raíces no son precisamente cinematográficas. Estudió filología hispánica y literatura comparada y hasta se atrevió con el teatro, antes de esta primera película.

Me he hecho a mí mismo. Nadie me ha enseñado y esto es porque yo soy un maestro. Yo no me he formado en ninguna escuela, vengo de lo underground, de debajo de las raíces y por eso soy más fuerte e invulnerable. Si miro a mi alrededor me identifico con pocos realizadores actuales. En España, destaco a los mejores, Marc Recha o Isaki Lacuesta, que son igualmente los que tienen cierta relevancia internacional. No creo en escuelas o movimientos. El trabajo más potente es fruto de individualidades. Sólo así se alcanza un resultado espectacular y visible.

– Y entre festival y festival, prepara su próximo film.

Así es, y he decidido retomar la idea del viaje, del traslado de los personajes. En esta ocasión, preparo un proyecto sobre los Reyes Magos de Oriente. Sólo deseo hacer lo que me gusta: filmar al aire libre, de modo nada moderno o, al menos, no utilizar temas con los cuales nadie se identifique, siempre con hombres como protagonistas. No me entiendo tan bien con las mujeres, ya que no sé cómo sacarles el máximo provecho desde el punto de vista cinematográfico. Prácticamente, me pasa lo mismo que a Almodóvar pero al revés.

Fuentes: El periódico.com / Catalan Films & TV

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