Amantes de las bajas pasiones cinematográficas…

Cartel Fílmico

LA RED SOCIAL/THE SOCIAL NETWORK

David Fincher – The Social Network (2010)

David Fincher (nacido en Denver, USA, en 1962) tuvo, en sus inicios como director, la complicada tarea de mantener una saga clásica a la altura eso mismo, es decir, de los clásicos.

Con “Alien 3” no lo logró, pero el señor Fincher prosiguió su camino y con su segundo largometraje, “Seven”, (anteriormente había estado vinculado a la publicidad y a la realización de videoclips, estilo que se ve reflejado en algunas de sus posteriores obras) deslumbró a crítica y público, logrando, ahora sí, un “clásico” contemporáneo, y estando casi a punto de crear un subgénero del thriller “psico- policíaco”.

Precisamente, de cómo una mente talentosa, tras una gran creación, se da a conocer multitudinariamente, es de lo que, en cierto modo, trata su último film: “The social network”.

Sinapsis argumental: Lo que David Fincher nos cuenta, es el fragmento de la vida del estudiante de Harvard Mark Zuckerberg, desde los primeros bocetos de la idea hasta la creación definitiva de su obra: “Facebook”.

Todo esto se nos explica desde un momento más cercano en el tiempo en el que, a través de 2 juicios se nos va narrando la historia, en forma de flashbacks, de lo qué y cómo sucedió.

Más allá de que lo que la película nos deje ver se aproxime en mayor o menor medida a la realidad (el mismo Mark Zuckerberg dice que entre lo que ocurrió y lo que se muestra hay una distancia notable), aquí, vamos a analizar algo de lo que se ve, de lo que se muestra, de lo que se cuenta… y principalmente, de quién se cuenta.

Ya la primera secuencia del film (conversación entre el protagonista y su pareja), hace las veces de un “cortometraje/resumen” que describe la personalidad de nuestro Mark Zuckerberg particular (Jesse Eisenberg, muy adecuado a su papel): una persona con grandes capacidades pero con grandes carencias.

La mente del ser humano podría, simplistamente, dividirse en 2 grandes bloques: la inteligencia intelectual y la inteligencia emocional.

La primera de ellas sería la destinada a tratar con aspectos prácticos, académicos, mecánicos, numéricos, etc.; y la segunda la encargada de gestionar la afectividad, las relaciones interpersonales, los sentimientos…

En condiciones idóneas, ambas deben de intercomunicarse de forma fluida para que estemos ante una situación de saludable; siendo, cuanto menor o/y peor dicha fluidez, más probable la aparición de algún tipo de “malestar” (por no decir trastorno) en el individuo.

Los niños (en condiciones “normales”, no serviría para todos los casos), en los primero años de su existencia desde el nacimiento, viven vinculados a una madre que lo es todo para ellos y viceversa. Dicha mamá los colma de cuidados de forma exclusiva y sin quererlo los coloca en una posición fantasiosa de ÚNICOS, de EXCLUSIVOS.

Si ese vínculo no se va suavizando, gracias no solo a la “fuerza” de la “madre” sino también a la intervención o entrada del “padre” como tercero en discordia (que haga al niño ver que no es el UNICO o EXCLUSIVO), puede ocurrir que se den fijaciones en esas etapas que luego repercutan en el desarrollo de la personalidad adulta posterior, posiblemente con ciertas lacras.

A lo largo de esas etapas iniciales es en las que se comienza a desarrollar en nosotros lo que se podría denominar NARCISISMO (sintácticamente: preocupación de uno mismo por sí mismo); elemento importante para el autocuidado, pero negativo si se da tanto en defecto (no nos protegeríamos adecuadamente), como en exceso (nos centraríamos tanto en nosotros que dejaríamos de lado factores importantes de nuestro mundo externo, como por ejemplo la sociabilización adecuada con nuestros iguales, que no es poco).

El dolor precisamente narcisista que le produce una ruptura sentimental, un sentirse abandonado y rechazado ante un espejo que parece reflejarle algo así como: “no eres importante; no eres mi centro de atención; puedo prescindir y prescindo de ti”, es el detonante que lleva al potente cerebro de nuestro protagonista a comenzar a funcionar con furia; a “defenderse” contra-atacando.

En un mundo “social” que le viene grande (y ante el que se siente pequeño), y sin recursos interpersonales para conseguir sus objetivos (chicas, clubs prestigiosos, popularidad…), usa el mundo “no social”, intelectual, informático, en el que se siente poderoso y superior, con una doble vertiente: volver nostálgicamente a ocupar el lugar ÚNICO, EXCLUSIVO, y vengarse agresivamente de aquel mundo “de las personas” en el que se siente agredido por todo debido a su complejo de inferioridad, portador de la insoportable ENVIDIA.

Comienza entonces una escalada hacia la cima en la que no duda en arrasar todo lo que, a su alrededor, “le recuerde” lo insignificante que realmente se siente. Y teniendo en cuenta que quizá la ENVIDIA sea el motor que le mueve, ésta se diversifica en una red arácnida que a todo da caza…

… A las mujeres que le gustan y a las que “no gusta”, por las que no se siente aceptado. La víctima inicial es su (ex) pareja de entonces, Erica (Rooney Mara, de escasa aparición) a través de insultos directos computerizados. Y por extensión abarca a TODAS las demás. A TODAS  las mujeres del mundo, ya que en la psique humana no existen las fronteras geográficas.

… A los hombres que “sí gustan”, a los que envidia, entre otros motivos, por atraer a las mujeres que a él no le hacen caso.

Representados por los hermnanos Winklevoss (Armie Hammer ambos, con planta física indiscutible, que es de lo que se trataba en este caso), disciplinados, deportistas, atléticos, altos y guapos.

… A las personas a las que considera en una posición social más elevada a la suya. Queda patente desde el principio su interés por entrar en algunos de los prestigiosos clubs sociales del lugar siendo en esta ocasión la diana de sus celos la representada,  por el que en teoría es su “mejor” (¿y único?) amigo, Eduardo Saverin (Andrew Gardfield, correcto).

… Y para finalizar (aunque se podría continuar sin duda), y así cerrar este curioso círculo vicioso… a la (poca) gente capaz de tocarle alguna fibra humana sensible en forma de admiración: Sean Parker (Justin Timberlake, a gusto). El cual consigue conmoverle por varios motivos: se identifica con él en cuanto a deseos de grandeza y por tanto en cuanto a elementos paranoicos, y ve al mismo tiempo reflejados en su persona, por un lado los chispazos de genio que él mismo posee, y por otro las habilidades sociales de seducción y conquista de las que carece. Es decir, que a priori lo tiene “todo”. Pero…  ¿ante tal idealización se puede permitir un error grave “que él no cometería” y que pondría en peligro la magnitud completa de lo llevado a cabo?

… lo dejo en el aire.

He aquí entonces la historia de un ser humano que inconscientemente se vive como minúsculo, pero que cuenta con las armas mentales de un computador de avanzadísima tecnología; que ante la imposibilidad de ser SOCIAL (vital) ante sus seres cercanos, crea la probablemente mayor RED SOCIAL (virtual) del mundo sin importarle perder a los únicos que le eran realmente cercanos; que posee tan poco poder afectivo, que cosifica a las personas en su escalada hacia la cima de su solitario Olimpo; que con sus ansias de ser “normal” y reconocido (reconocido = querido) pero con el handicap de sus “incapacidades”, no solo no lo consigue, sino que se va quedando más aislado según avanzan sus pisadas…

… Una nueva historia 1000 veces contada a cerca de una ironía de la vida, en la que  se ve de nuevo que todo transcurre en forma de repetición de patrones y de puntos de fijación (recordad el obsesivo-compulsivo final del film); en la que un hombre (chico realmente) en la búsqueda insaciable de sus ideales, consigue en gran parte (por méritos propios) lo que se propone, pero… ¿a cambio de qué?

… muy probable y tristemente, a costa de perder en el camino parte de su nexo de unión con lo intrínseco a todos nosotros: lo HUMANO.

David Fincher, nuevamente (gracias al buen guión de Aaron Sorkin basado en la novela “The accidental billionaires” de Ben Mezrich), logra entretenernos con una película de ritmo ágil.

Da la sensación de que, con el paso del tiempo, este realizador, está dejando atrás en cierto modo sus influencias efectistas del videoclip, y va transformándose, poco a poco en un director más “serio” dentro de su modernismo (¿también visible esto en “Zodiac”, quizá?). No queriendo decir con ello que haya mutado, sino que se le atisban nuevos recursos en su repertorio, que le permitirán seguir progresando, evolucionando, y así seguir siendo uno de los realizadores atractivos del panorama cinematográfico actual.

Carlos López


Un Pie Sobre el Vacío

 

 

Jean Pierre y Luc Dardenne – El Matrimonio de Lorna (Le Silence of Lorna, 2008) 

 

Los hermanos Dardenne son un proyecto común, uno que se extiende desde sus leit motiv temáticos —esa idea de completar un fresco de los bajos fondos belgas—, pasando por un tratamiento formal común —el estilo sumamente emotivo con una paradójica apariencia documental—, hasta llegar al hecho de trabajar siempre con la misma gente —al drogadicto de El matrimonio de Lorna lo interpreta Jérémie Renier, el actor que en La promesa (1996) fue un niño trabajador y que en El niño (2005) hizo de un vago que vende a su hijo, por ejemplo—.

De manera que la idea parece ser, no realizar una película, sino un conjunto de ellas, cada cual como una entrada distinta, un matiz particular, dependiente, no obstante, de su relación con el conjunto. Y así habrá que entrarle…

El matrimonio de Lorna (Le silence de Lorna, 2008) se construye de a pocos. Otro rasgo distintivo en las películas de los hermanos Dardenne, por cierto. Como un documental, asistimos a la realidad. Es decir, obviamente no se trata de la realidad, sino de una puesta en escena más o menos espontánea (a veces filman sin ensayos, la intención queda clara).

Mediante una cámara por momentos muy cercana, intrusa en algunos casos, penetramos en la intimidad de Lorna, una chica que trabaja para ganarse la vida. Llega a su casa, donde la espera un tipo de aspecto deplorable a quien ella trata muy mal…  

Poco a poco armaremos de qué va todo: Lorna es albanesa, se ha casado con el yonqui belga, tiene un novio llamado Sokol, con quien quiere poner un bar, pero para eso necesitan plata, y entonces entra el ruso, que les dará mucho dinero por la recién adquirida nacionalidad de Lorna.

Es decir, quiere casarse con ella. Luego las cosas se complicarán, su equilibrio siempre fue precario, por decirlo menos. Sin embargo, la progresión no es la del guión clásico, no se ajusta necesariamente a una causa-efecto que pugna por ser comprendida con la mayor claridad, sino más bien parece acercarse al azar del documental. Ok, no lo es, pero parece que lo fuera. Ahí está la gracia. Palma de Oro al mejor guión, dicen.

Los hermanos Dardenne vienen ganando bastante en Cannes y cabría preguntarse por qué. Siempre hacen básicamente lo mismo… ¿Será que hay fórmulas que no se gastan? O: ¿que justamente sus películas funcionan por acumulación, que no basta con una sino con varias, que necesitas más para asomarte a ese panorama tan particular que ellos te están ofreciendo?

En parte se debe a que a los franceses les encanta este cine “social”, pero el otro sentido se refiere a la segunda pregunta. Como las papitas lays o el maní o cualquier otro tipo de snack, si te comes una, quieres otra y otra, y otra…

Y otra pregunta: ¿para qué la máquina funcione las películas deben mantenerse bajo estándares de calidad medios? Quiero decir: así como no puede haber ningún bajón tampoco resulta posible destacar, el minimalismo y el juego entre la sequedad de los recursos y lo emotivo del discurso, la marca registrada Dardenne, ¿se torna un corsé? Como el Dogma 95, que nadie cumplió ni siguió al pie de la letra y que por eso dio alguna que otra buena película, los Dardenne deberían abandonar el método pese a todo.

El problema con El matrimonio de Lorna es su final. Los primeros tres cuartos de película cumplen con todos los requisitos típicamente Dardenne, pero poco a poco la ambigüedad crece hasta coparlo todo. Lorna, la protagonista, se aleja emotivamente de la realidad. Empieza a desear lo que no existe con una fuerza que tampoco existe.

Si las películas de los Dardenne se caracterizan por lo gris y mediocre de los sentimientos de sus personajes, en Lorna destacan por su pureza. Un momento epifánico, cerca del final, a primera vista otro de sus rasgos clásicos, pero que se les va de la mano, ya no parece real, ya no parece documental, se ha tornado lírico, y en tal contexto luce cursi, excesivo. La empatía, al final de otros filmes suyos tan fácil, ahora se quiebra.

Entonces lo precedente, normalmente sublimado por la escena final, pierde el norte. Lorna luce demasiado impactada, ya no convence… No quiero decir que se trate de una película fallida, sino que falla en el contexto Dardenne, que cuando escapa del molde, nos parece fea. La intención ya no es el juego de equilibrista entre emotividad y sequedad, lo lírico e irreal ha ganado la batalla.

Se ha inclinado de pronto y uno siente miedo ante el desequilibrio que no conoce. Tal vez, de no ser una película marca Dardenne, la impresión hubiese sido otra. Hay que abandonar esa maldita tendencia al equilibrio, no temerle al exceso y dejarle los proyectos de largo aliento a Dios o a los presidentes.

 

Por Eugenio Vidal


Man in the Screen

 

 

Kenny Ortega – This is It (This is It, 2009)

 

Ver cantar o bailar a Michael Jackson siempre me ha hecho caer en una irrefrenable hipnosis. Y aunque no guardaba ninguna expectativa sobre el film de Kenny Ortega, esperaba que por lo menos las exigencias de la pantalla grande me conectaran un poco más con este gran artista. De algún modo esto sí ocurrió.

No tanto por la habilidad fílmica del director –quien también se encargaría de la dirección artística de los 50 conciertos que Jackson presentaría en Londres– sino más bien por esa sensibilidad que sólo puede transmitir el autor de temas como Man in the Mirror o Heal the World.

Sin dejar de lado los argumentos monetarios que llevaron a los productores a rebuscar y entregar casi dos de las 120 horas grabadas para el uso personal de Michael, hay que reconocer que la película cumple con desbaratar aquel lienzo pintado por la prensa que mostraba a un desfasado Rey del Pop incapaz de brillar en el O2 Arena.

Es decir, además de darnos una pincelada de lo que pudo ser uno de los espectáculos más comentados de la década, “This is it” no tuvo más ambición que la de restaurar en el recuerdo de Michael el profesionalismo y la genialidad que muchos detractores quisieron arrebatarle. El filme no quiso ir más allá y tampoco hubiera podido. Esa es su ventaja.

De allí que las tomas, que precisamente le iban a servir a Michael para perfeccionar su puesta en escena –por lo que son en su mayoría contrapicados que reemplazan el punto de vista de los fanáticos– se convierten en grandes ventanas que nos permiten participar íntimamente (desde nuestras butacas) del armado de un espectáculo de primera, como si estuviéramos allí mismo, bajo el estrado del Staples Center de Los Ángeles, observando al lado del equipo técnico y de los bailarines, cómo (con una esencia delicada antes que prepotente) finiquitaba los últimos detalles de una gira que prometía, una vez más en su carrera, imponer su estampa en el mundo del espectáculo.

A manera de testimonio, “This is it” nos demuestra que para la gira londinense no sólo se habían grabado sorprendentes apoyos audiovisuales de títulos como Thriller (con efectos 3D y nuevos disfraces), Smooth Criminal (donde un excelente montaje le permite participar de escenas del cine de gangsters al lado de Rita Hayworth (en Gilda) y Humphrey Bogart) o The way you make me feel, sino que se habían incorporado algunas nuevas versiones que reflejaban la evolución del cantante de 50 años.

A esto se iban a sumar portentosas coreografías, sobresalientes participaciones de su corista principal y su guitarrista, y efectos especiales más imponentes que en su mejor época.

Con este material Ortega describe la gira como una gran promesa y a Michael como ese gran artista capaz de dirigir con sutileza (a-m-o-r) a un numeroso equipo de profesionales técnicos y bailarines, perfeccionar cada detalle sonoro, visual, vocal o acrobático, y seguir siendo el niño grande que sólo lograba completarse en los escenarios, frente a las multitudes que lo convirtieron en el Rey del Pop.

Michael tenía claro que era su tour de despedida, estaba más que ilusionado con el proyecto, por lo que no quería dejar nada a la deriva, incluso cuidaba su voz y, pese a ese perfeccionismo obsesivo, se le ve reservar algo de espontaneidad para el público que lo esperaba en Inglaterra.

Ortega lo admiraba y eso se nota en su selección de imágenes. Por eso, el resultado mueve algunas fibras tanto de seguidores como de no seguidores de Jacko. Lo que se ve en This is it es a un artista más vivo que nunca en los que fueron –sin que nadie lo supiera–  sus últimos días de vida, y a un hombre demasiado optimista con la tarea de “salvar el planeta”.

La película no se enreda en el boom mediático en que se convirtió su muerte, tampoco se ve un afán figurativo u omnipresente de Ortega (como sucede con otros directores), ya que su mirada es más bien paternalista. Esos aciertos y esa limpieza testimonial son los que le han dado un innegable peso a la película de Ortega, la cual, sin embargo, no hubiera tenido el mismo interés sin Michael Jackson.

 

Por Claudia Ugarte


Bastardos sin Gloria

 

 

Quentin Tarantino – Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds, 2009)

 

“Érase una vez, en Francia ocupada por los nazis. 1941”

Sería mezquino de nuestra parte desmerecer los logros de ésta producción, que como mucho podríamos criticar de excesiva o grandilocuente, basándonos en la falta de rigurosidad histórica que derrocha. Sin embargo, y Tarantino subraya éste aspecto repetidas veces, no hay ninguna intención de describir los hechos tal como sucedieron.

La fantasía histórica es un tono perfectamente válido, y la tenemos presente desde la frase que da inicio a la farsa: Érase una vez un cuento de hadas para adultos, protagonizado por los personajes del título, una suerte de grupo de élite judío-americano comandados por Brad Pitt con bigote y actitud matrera, que dispensa a los alemanes un trato igualmente violento que el que ellos, esto sí históricamente comprobado, proporcionaron a quienes declararon enemigos de su nación, en un rapto de estupidez del cerebro afectado de sífilis (esto también, históricamente comprobado) de su líder absoluto.

Tarantino goza planificando, guionizando y dirigiendo sus filmes con la pasión cinéfila cultivada en sus años tras un mostrador de video club, donde seguramente tomaba nota mental del aluvión de referencias con que sazonaría sus trabajos, especialmente abundantes en éste último. Los curiosos podrán identificar alusiones a galanes de los años 50, estrellas del softporno, del blaxploitation, al cine francés, al cine propagandístico alemán, a los Doce del Patíbulo y al western de Sergio Leone; además de la sesuda cátedra entre los miembros de las fuerzas británicas, a mitad de la cinta, acerca de los brillantes realizadores de la época y sus films, que superó por completo mi pedestre entendimiento del cine europeo.

Su sexto largo hasta la fecha presenta un sentido maduro de la filmación. El arte cinemático se expresa con máximo brillo en memorables momentos de tensión como la secuencia inicial,  perfectamente construida, con la dosificación creciente de la angustia hasta que la víctima, al inicio impasible, es destruida en virtud a la astucia de uno de los mejores villanos de los últimos años. 

 

La meticulosa planificación de un tiroteo que dura menos de quince segundos es igualmente impecable, y sus actores logran desenrollar esos impresionantes guiones que versan entre lo irrelevante y la palabra inesperada que acciona los gatillos cuando el espectador menos lo espera. Es en esta cháchara (insoportable para algunos) deliciosamente natural y derivativa (para la mayoría) que encontramos uno de los más queridos tópicos del realizador, casi siempre introductorias a las escenas de acción, la cual son también marca de fábrica, así como su comprobada tendencia a inflar las situaciones hasta hacerlas explotar.

En determinado momento se publicitó la película como una aparente historia lineal de venganza, con grandes dosis de violencia y hemoglobina, al mejor estilo del autor de Kill Bill, como sin mayores palabras anunciaban los primeros posters ([1]).

 

A cambio hemos recibido una epopeya tan descaradamente falsa como fascinante, cuyas escenas de violencia (en ocasiones gratuita, todo hay que decirlo) se equiparan a magníficas representaciones de época, resaltando la exquisita sala de cine donde se proyecta aquella nefasta película alemana, así como actuaciones impecables que tienen su más celebrado ejemplo en la encarnación del oficial SS Hans Landa.

“Me ha devuelto mi película” – Respondía Tarantino en una entrevista algunos meses atrás, en referencia al actor Christoph Waltz, recientemente ganador del Premio al mejor actor del festival de Cannes, que lleva adelante un personaje extremadamente complejo de interpretar: Carismático y odioso por partes iguales. Malvado en más de tres lenguajes diferentes. Sabes que es más listo que tú y sabes que te ha atrapado en un solo gesto de su rostro, mientras no deja de sonreir. Es una suerte que este papel no haya caído en manos de Leonardo Di Caprio, como aseguran algunos medios estaba planificado.

Villanos como éste se han caracterizado en la historia del cine por eclipsar a los supuestos protagonistas, en este caso, de por sí bastante débiles, constituyendo éste el punto menos favorecido de la película (junto a un intruso cameo de Mike Myers, que daba la impresión de estar por romper a carcajadas en cualquier momento). Con excepción de su jefe, los bastardos son caracterizados con algunos trazos interesantes, pero en general resultan en extremo superficiales, y algunos lamentablemente innecesarios.

Aquellos por los que nos hemos interesado, a pesar de las pocas líneas proporcionadas en relación a su pasado o el origen de su cólera, desaparecen de escena demasiado rápido y sin haber intervenido de manera significativa en la trama. Esto no deja de ser una molesta piedra en el zapato, sobre todo para un film que lleva en el título el apelativo de estos personajes.

No es posible dejar de mencionar la música en la obra de Quentin Tarantino. Un sentido único de la oportunidad le permitió desde siempre mezclar cosas como una escena de tortura con un pegajoso tema pop de los 70 ([2]) y lograr siempre resultados sorprendentes.

Un poco más formal es la partitura escogida para este relato, iniciando con la que algunos reconocerán como la melodía introductoria de la película El Álamo de John Wayne, y enlazando con temas emparentados con el Western Italiano y Ennio Morricone ([3]) ¿Podemos pedir más?

Como es costumbre, la crítica se divide con los trabajos de Tarantino. Quienes lo denuncian autoindulgente e intrascendental, y quienes lo aplauden diez minutos de pie tras el estreno en Cannes. Para quien escribe, un autor con letras mayúsculas, que sabe extraer su arte tanto del más valioso y premiado material como de los géneros oscuros y menospreciados del cine, logrando un producto único y novedoso, rico en matices, deliberadamente imperfecto. Es por eso que seguimos esperando con impaciencia estos engendros extensos, abstractos  y tremendamente entretenidos que nos obsequia cada tres o cuatro años.

 

Por Gonzalo Del Carpio Bellido

 


[1] Para quienes no los conocen:

http://www.ozutto.com/blog/posters-inglorious-bastards-pelicula-quentin-tarantino/

[2] La canción “Stuck in the Middle with You” durante una de las escenas más gráficas de su ópera prima.

[3] Tarantino pretendía encargarle música original al afamado compositor, pero éste estaba demasiado ocupado en sus recientes colaboraciones con Giuseppe Tornatore.

 


De Vuelta al Barrio

 

 

Sam Raimi – Arrástrame al Infierno (Drag me to Hell, 2008)

 

En lo que va del año, hemos tenido diferentes temas en lo que a cine de terror se refiere. Tenemos desde casas embrujadas hasta muertos que no dejan vivir en paz a los vivos. Todas estas películas han tenido resultados dispares unos más que otros y viceversa. Pero siempre los fans de este género, tienen su recompensa con alguna película que rompa el molde, y solo los genios, hasta el momento, tienen ese don de lo impensado, en esta ocasión nos referimos a  Sam Raimi.

El cine de Raimi para los entendidos en el rubro, fue un pionero en ese nuevo cine de horror de principios de la década de los 80´s, con temas que mezclaban horror y comedia a la vez, y sería algo descabellado no mencionar su obra maestra The Evil Dead (1981), pero estrenada en nuestro país tres años después, aunque personalmente me agrada mas la secuela que la original.

En sus películas ha hecho uso de varios métodos para infundir miedo y meter a la audiencia en la historia, como ese movimiento del zoom para identificar ruidos o acciones que se suscitaban o la cámara a gran velocidad para simular las persecuciones de las víctimas. Esto lo convirtió en un director original, que sabía lo que hacía, ya que para la década fue algo innovador.

Luego se alejo completamente del genero con temas más “comerciales” como westerns (Rápida y Mortal), acción (Darkman), romance (Por amor al juego), hasta que regreso a lo grande con la trilogía, hasta el momento, de El hombre araña, que lo volvió a colocar como un director top en la industria de Hollywood. Ahora lo tenemos de vuelta a sus raíces con una nueva experiencia en terror con Arrástrame al Infierno.

La trama se inicia con Christine (Allison Lohman), que por sus ansias de surgir en el banco que trabaja, toma el caso de una señora de avanzada edad (Lorna Raver) que le manifiesta que no pueda darle otra hipoteca a su casa, y por las situaciones que se dan, tal decisión le costara caro luego de que dicha señora le dé un hechizo mortal. Con esta película los fanáticos del género nos sentimos complacidos, ya que alguien como Raimi regresa y cómo al que fue su hogar por muchos años.

Al igual que en sus primeras películas, buscó actores no tan reconocidos en el medio, aunque podemos citar a Justin Long, que por lo visto se está convirtiendo en un actor versátil sin ser extraordinario, ya que lo tuvimos en películas como El Demonio, Pelotas en Juego o Duro de Matar 4, al igual que David Paymer, un actor bien secundario y que alguna vez estuvo nominado al Oscar.

Mientras que por el lado de las actrices, a pesar que es más joven, Allison Lohman ha tenido más películas, no como actriz principal, siendo la más destacada El Gran Pez allá por el 2003, mientras que Lorna Raver se ha dedicado más a la televisión que al séptimo arte.

A pesar de las capacidades actorales tanto de uno como de otros, cada quien cumple con el rol que se le ha encargado, destacando más que el resto el de la señora Ganush, a pesar de solo estar, físicamente, en los primero 30 minutos de la película. Lo raro de todo esto es que no llamó a su actor fetiche Bruce Campbell que siempre aparece en algún film que haga, cosa que no sucede con el clásico auto amarillo.

 

La película desde un inicio no oculta ni deja nada a la imaginación, ya que uno se involucra en ella desde el inicio pero el director sabe como introducir a la audiencia a pesar de lo dicho, ya que toda esa parte transcurre rápida y violentamente, cosa que a uno le llama la intención desde el primer instante. De ahí en más es un juego de descubrimientos y situaciones sobretodo de la imaginación de la protagonista como sombras en su casa (memorable la sombra del demonio que se ve  por debajo de la puerta), como las múltiples visiones de la señora Ganush por ella.

Raimi también hace uso, como dije anteriormente de tonos cómicos en esta clase de cintas, como la posesión del espiritista, que flota, se transforma, entre otras más, haciendo recordar algunos momentos similares de las cintas de Evil Dead, como por ejemplo en la tercera parte cuando el demonio se apodera  de una señora en frente de los demás. Pero la parte que asombra de por sí, es la conclusión de la película, realmente sorprendente y recomendable al mismo tiempo.

Me atrevería decir a estas alturas del año que estamos ante la mejor película de terror del 2009, no solo porque es Sam Raimi, sino por el matiz y lo diferente que es comparada con otras que no explotan el tema al máximo y dejan cosas que pudieron haberlas incluido y no lo hicieron o tal vez si lo incluyeron pero solo a un 50%.

Para hacer algo hay que saber del tema, y Raimi lo sabe en demasía, además que es muy inteligente al saber equilibrar las cosas y darles forma, como en este film. Claro que como toda película que se aprecie, también posee sus defectos,  es buena, pero pudo haber sido mejor, sobretodo en algunas escenas donde se debió emplear mas temor para darle más “sabor” a la trama.

Arrástrame al Infierno es una película que no los decepcionara a pesar de lo último, pero siempre es bueno ver películas de realizadores que son ya una institución dentro del mundo del cine, ya que si bien aplaudimos una película hecha por Steven Spielberg, a pesar de algunas decepciones últimamente, lo mismo sucede con San Raimi, que no solo hace una película, sino que se divierte haciéndola.

 

Por César Cortés Gutiérres


Cuando la belleza se lleva por dentro

 

 

Anthony Leondis – Igor (Igor, 2008)

Igor no es un típico film animado acerca de un científico loco y de sus temibles inventos. Al contrario, presenta una divertida aventura donde la imagen externa no es nada a comparación del gran corazón que poseen estos personajes. La línea de la historia, muy sencilla y comprensible, remarca fuertemente en las actitudes de los personajes y entregan un buen mensaje al estilo de las antiguas películas de terror de la Universal Studios.

 

Ante la gran cantidad de films de animación que van en aumento, las ideas comienzan a escasear creando así la oportunidad de presentar nuevos estilos de personajes y diversos escenarios que lo hacen especial y único. Al empezar con los personajes en Igor, tendremos al cliché de todo ayudante del científico loco que es un jorobado con poca cabellera y de pocas palabras (el típico ayudante terrorífico de películas de terror de los años 30).

Sin embargo éste será el personaje que llevara al público a ver la otra cara de los científicos malvados y en qué basan su economía (hacen armas destructivas para amenazar a la tierra y que las victimas entreguen dinero para no los ataquen). Además se conocerán a los “Igores” (como son llamados todos los jorobados que sólo pueden tener de oficio ser ayudantes de científicos locos) y su limitada oportunidad de ser alguien diferente a los demás.

Igor es el típico jorobado que sirve a un científico loco y que simplemente tiene la habilidad de jalar una palanca y decir: “Si mi amo”. Sin embargo, él esconde dentro de sí una mente brillante y grandes inventos dentro de su guarida donde solamente allí es considerado un científico.

Como todo personaje “outsider” siempre evita mostrar su verdadera habilidad, además de que “un Igor siempre será un Igor”. La posibilidad de sublevarse ante un científico o crear inventos es algo imposible que suceda y si, alguna vez ocurre, simplemente será erradicado para conseguir… otro Igor.

La historia marca una festividad de presentación de trabajos macabros, en el cual el ganador será seleccionado y enviaran su “trabajo” a una ciudad para pedir donaciones y que se la lleven a otra parte. Una especie de sátira a las ferias de ciencias de los colegios norteamericanos muy al estilo de mentes criminales que harán lo posible por recibir su “listón azul de primer lugar”.

El primer giro de la historia se dará cuando un terrible accidente ocurre con el científico loco, jefe de nuestro Igor, y muere en éste. La muerte del jefe haría que lo consideraran un motín de parte del ayudante en el cual sería erradicado. Sin embargo, hace lo posible de esconder la evidencia y siente que es la oportunidad de demostrarle al mundo que es un gran científico sin importar que sea un jorobado.

De esta manera, decide crear un proyecto novedoso (aunque no tanto por los típicos films de terror que ya existen) junto a sus dos ayudantes que además han sido sus creaciones: un robot con un cerebro no muy pensante y un conejo que tiene la habilidad de no morir, por lo que éste siempre se intenta suicidar pero todo es en vano para este frustrado personaje.

La creación es un tributo al monstruo de Frankenstein, sin embargo es una mujer enorme con un cuerpo completamente desproporcionado con una mente amable y delicada. Igor, esperando un personaje aterrador hace todo lo posible para convertir a su obra en un ser temible pero todo es en vano por no haberse activado la parte maligna que poseía. Finalmente, Igor se convierte para su creación en un director de teatro y la entrena para realizar “una obra” donde ella debe destrozar todo a su paso.

Cuando ya las cosas están viento en popa para el personaje principal, uno de los científicos descubre que el jefe de Igor está muerto y aprovecha en hacer lo posible en robar su gran invento (ya que éste se dedica en capturar los inventos de otros y ganar las competencias).

La música es interesante y muy entretenida. Se adecua bien a los momentos que sufre Igor y sus conocidos, pasando a ser atractiva para el espectador. Los efectos sonoros son adecuados y se asemejan a los sonidos de los films de terror de la Universal Studios creando un ambiente conocido ante este tipo de films macabros y clásicos.

Como ya se mencionó antes, los personajes son completos e intrigantes, con grandes ideas y conceptos muy buenos para el público que desea ver un film entretenido para todo público. Además se produce un buen ambiente junto con los fondos y estructuras de los castillos mostrando que en lo malvado y bizarro siempre hay algo de ternura.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo


No Eres Bienvenido

district9

 

Neil Blomkamp – Sector 9 (District 9, 2009)

 

Secuelas número seis, siete, ocho. Remakes de películas producidas hace menos de veinte años. Cualquier saga literaria de éxito mediático. Está más que comprobado que Hollywood se ha quedado sin imaginación hace por lo menos una década. Las fórmulas se han agotado y, aparte de los penosos ejemplos mencionados, el negocio del cine ha tenido que recurrir a maneras más o menos creativas de llevar espectadores a los multicines.

La película en cuestión emplea dos de estas artimañas, que hemos visto en abundancia en numerosas producciones durante los últimos años. Una de ellas es el empleo de técnicas de filmación poco convencionales. En un inicio debido a los escuetos presupuestos de producción (no en este caso, en que las secuencias de acción y los impecable efectos generados por computador hablan por sí solos), el efecto “cámara en mano” ha pasado de ser una alternativa de ahorro a una hábil manera de otorgar al producto un aire documental que, bien empleado, compromete al espectador en la historia narrada y envuelve los hechos más fantasiosos con un aire de crudeza y verosimilitud.

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En segundo lugar tenemos el truco de la perspectiva inusual. No es la primera vez que los malos seamos nosotros en esta invasión alienígena. Esta vez, el relato y sus alegatos hacia el racismo deberán señalar al espectador, acostumbrado a aliens y terminators, en busca de generar impresiones inusuales en una película de ciencia ficción. Sin embargo, hasta aquí llegan los lugares comunes. El trabajo que se construye a partir de estos manidos recursos es algo completamente innovador.

En depresivas e hiperrealistas tomas iniciales, vemos a los alienígenas, seres sin otro pecado que ser diferentes a la mayoría dominante, arriconados en un sector insalubre por un gobierno que no sabe qué hacer con ellos. Es interesante cómo, al menos para quien escribe, el aspecto de estos seres, similares a insectos sucios y enormes, aunado a su perturbadora manera de desplazarse y su chasqueante idioma, no genera tanta repulsión como las condiciones en que son obligados a vivir.

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Se describen con morboso detalle, mediante la oportuna simulación de un informe peridístico, el hacinamiento en viviendas ruinosas y pestilentes, los alimentos descompuestos (básicamente, comida para gato y carne de dudosa procedencia), la nula presencia de servicios básicos, y la convivencia con delincuentes y traficantes de armas (seres “humanos” ellos, que quede en claro quiénes son las víctimas). La similitud de estas condiciones con las que comparten día a día miles de personas en la vida real no hace sino estremecer la conciencia de cualquiera que quiera ver en estas imágenes algo más que una entretenida historia de ciencia ficción.

- “Se gasta tanto dinero en tenerlos aquí” – se queja un personaje entrevistado durante estas escenas, como si se tratara de inmigrantes no deseados. No en vano Neill Blomkamp, sudafricano de nacimiento, ha sido testigo del apartheid y sus inhumanos métodos. Los extraterrestres son llamados “prawns” (langostinos) como bien podrían ser “niggers”, o “mojados”. El odio y la intolerancia son las mismas a nivel interracial o interplanetario.

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Son necesarias estas pequeñas lecturas para comprender el poder y subversión de este poderoso film que nos entrega un autor primerizo, a quien la prensa y el público en general no habrían hecho demasiado caso de no mediar el nombre de Peter Jackson, cuyo aporte recae en las criaturas más verídicas que hayan poblado la pantalla desde Gollum y King Kong, hasta estos patéticos seres que revuelven la basura en busca de alimento.

Una visión en extremo superficial, abundante en los detractores del film (seguros devotos del estúpido adagio “no vengo al cine a pensar, sino a divertirme”), pasará por alto la mayoría de asociaciones. Hey, el reportero dinamitando los huevos alienígenas está practicando múltiples e intencionales ABORTOS, mientras comenta “suena como pop corn” a la cámara que lo filma, impasible. Hey, Norteamérica no ayuda a los extraterrestres a regresar a su hogar ni nukea la conflictiva zona y todos los molestos langostinos porque QUIEREN LAS JODIDAS ARMAS capaces de volar una casa, y que por cosas de la tecnología, sólo funcionan en manos de los visitantes.

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El burócrata Wilkus van der Merwe, prácticamente el único humano protagonista, encarnado por un tal Sharlto Copley (de quien estaremos pendientes a partir de hoy), pasea su sonrisa estúpida y bienintencionada por el ghetto repartiendo órdenes de desalojo a los iracundos y desnutridos refugiados, y es la imagen de las organizaciones mundiales que pretenden comprender y apoyar a las comunidades oprimidas, cuando no son más que títeres bajo el mando de las superpotencias.

 Este personaje, sin embargo (y ya quisiéramos que le sucediera lo mismo a tanto pelotudo bienintencionado que les regala iPods a niños que no tienen para comer, por mencionar un ejemplo) sufre un percance que no revelaré a quienes no han visto la cinta, pero que lo pondrá en la piel de la minoría, única manera en que podrá vivir y entender su enorme sufrimiento.

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Mencionaré como colofón el importante logro de la cinta y de su director de hacernos sentir empatía por seres tan poco agraciados, efecto plenamente conseguido que si no al momento de mostrarnos aquellos ojos de una profundidad y angustia inéditos en una criatura fabricada por computadora, lo será en la presencia de aquel pequeño alienígena a mitad de la proyección, un niño apenas, de cuya suerte me preocupé seriamente hasta el final. ¿Algún otro director ha logrado esto en lo que va del año? Sigo esperando.

Por Gonzalo del Carpio Bellido


Unas Hermanas Poco Comunes

 

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Charles y Thomas Guard – La Maldición de las Dos Hermanas (The Uninvited, 2009)

 

En nuestra “tan apreciada” cartelera local tenemos en diversas ocasiones, opciones para ver una película y pasar un momento agradable en el cine. Ir a estos lugares son para desestresarse y salir de la monotonía que uno vive cada semana. Podemos escoger géneros como acción, comedia, dibujos animados, drama y hasta el terror que se ha ido convirtiendo en un género altamente lucrativo que da rigurosos dividendos de cuando en cuando.

He empezado comentando lo primero porque hay veces que vemos el listín cinematográfico y vemos tantas películas que no sabemos cual ver o entramos a cualquiera que se aproxime a la hora en la cual hemos llegado al cine. Hay veces que sucede esto y salimos satisfechos sin saber siquiera de que se trataba dicho film, y uno lo ve porque si, nada más,  como puede ser totalmente lo contrario.

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Lamentablemente, en este rubro está incluida un remake más que hace Hollywood sobre una película asiática, esta vez fue el turno de “La maldición de las hermanas”.

Debo decir que no he visto la película original que aquí se llamo “Dos hermanas” hecha en el 2003 pero estrenada no hace mucho en nuestro país, pero la trama no debe diferir mucha de esta. La historia se inicia con los sueños extraños de Anna (Emily Browning), sobre la accidental muerte de su madre que estaba enferma en la casa y que a partir de ese suceso empieza a imaginar cosas como fantasmas, etc. Ella se encuentra en una clínica mental y su doctor le dice que vaya a su hogar y que es hora que reinicie su vida.

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Pero no cuenta con la relación que ha empezado su padre (David Strathairn) con Rachel, la ex enfermera de su esposa (Elizabeth Banks). Pero en la casa tiene el apoyo de su hermana Alex (Arielle Kebbel), y entre las dos tratarán de convencer a su padre que Rachel fue la causante de la muerte su madre y estarán dispuestas a todo con tal de probarlo.

A mi parecer, un título como “La maldición de las hermanas”, para alguien que no ha visto el original, como es mi caso, jala bastante la idea de ir a verla, ya que uno se puede imaginar otras cosas con solo con leer el nombre de la película. Bueno, eso que me imaginaba nunca ocurre, o al menos en un 10 a 20%, ya que trata más el desenvolvimiento de la familia luego del accidente, sin nada raro aparente hasta que las hermanas indagan un poco más la procedencia del nuevo amor del padre, que este es sin duda la trama del film, ya que a través de este motivo se desarrolla el mismo.

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Esta película, que es dirigida por los hermanos Charles and Thomas Guard, que están a kilómetros de otros como los Coen o Farrelly, trataron de venderla como un film de terror sin llegar a ese grado, ya que más se le puede considerar como un suspenso con toque dramático.

Ellos quisieron remarcar mas la parte psicológica y emocional, y no irse por el lado facilista que es el de llegar al asesinato o algún crimen para poner la sangre, y que a partir de eso empiece a girar la película o como en este caso, hacer ver a la enfermera como la culpable de la explosión y muerte de la madre.

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Lamentablemente, no llegan ni a lo uno ni lo otro, porque la construcción de los personajes no está bien lograda. Si bien vemos el rol que juega cada uno dentro de la película y sabemos hacia dónde va, no logra meternos del todo en ella, tanto así que no sentimos lastima ni de las hermanas cuando descubren la verdad o de la misma Rachel, que de por cierto, a pesar de los comentarios que se están haciendo, trata de convencer con miradas, actitudes y palabras que ella esconde algo más de lo que aparenta.

Lástima que los directores no supieron aprovechar lo que ellas les brindaba al haberle exigido un poco más al personaje, pero a pesar de todo cumple con su objetivo que es la intriga y las dudas. El resto está en un par de escalones más abajo, desde David Strathairn, alguna vez nominado al Oscar por cierto, pasando por Emily Browning que no logra explotar al personaje, a pesar que este estuvo recluido en un centro mental, que le pudo dar un plus a la historia, pero este nunca llega y se mantiene en una línea recta durante gran parte de la película. Más convincente se le vio como la niña fantasma del, valga la redundancia  “Barco Fantasma” del 2002.

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Lo que me llamó la atención fue ver como se tomo reseñas de películas, y que se notan claramente, como el Sexto Sentido o Pesadilla en Elm Street 3 (Si la han visto, sabrán que momento es). Tendré que ver Dos hermanas para emitir un juicio final, ojala que el resultado sea todo lo opuesto. Gracias Hollywood.

 

Por César Cortez Gutiérrez


Departamento Mortal

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Ataru Oikawa – Los Fantasmas del Piso 13  (1303-gôshitsu, 2007)

 

En los primeros años de la década, recuerdo haber visto Ringu (1998) de Hideo Nakata, un film por demás estremecedor con tomas bien logradas y escenarios en claroscuros, que más todavía a uno lo hacían sentir un poco de temor aún si no pasaba nada.

Esta película fue el inicio de un ciclo que sigue hasta el día de hoy y que varios títulos le han seguido la posta a ésta, ya que introdujo algo que sería como un cliché para este tipo de películas: las chicas asiáticas de largos cabellos y situaciones sobrenaturales con desenlaces, algunas veces mortales, sin llegar al derramamiento de sangre como sí lo hace el cine de Hollywood.

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Si aún algunos al leer esta introducción, se siguen preguntando qué es Ringu, bueno no es otra cosa que la versión original de El aro en la que saltaría a la fama la actriz Naomi Watts.

Pero regresando un poco al cine asiático de horror, luego de Ringu le siguió Ju –on o The Grudge en el 2002, que a mi parecer fue la que sentó, además de Ringu obviamente, las bases del cine de horror asiático en la actualidad. Estas dos películas fueron, y lo siguen siendo, las abanderadas de este subgénero, ya que se han hecho algunas no tan satisfactorias que otras.

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Ahora se nos presenta otra “rama” más de este árbol genealógico japonés llamado “Los fantasmas del piso 13”, o Apartment 1303, que no hace más que seguir la formula ya instaurada por sus predecesores, pero como su título lo dice en un escenario diferente. La historia se forma a partir de la muerte de Sayaka, una chica que se muda a un departamento ubicado en una buena zona, supongo de Tokio, con unos amigos.

Pero ella les dice que en dicho lugar se aparece un fantasma que asusta a los que viven allí, aunque en realidad solo asusta a las chicas que entran al departamento 1303, donde, lamentablemente ocurrirá la muerte de Sayaka debido a un encuentro con el fantasma de la vivienda.

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Luego de esto entrará en escena su hermana Mariko que se quedará en el departamento para ver las cosas de Sayaka y donde empezará a sentir la presencia tanto de ella como de otras más, para luego enterarse de que ella no fue la primera víctima, sino que han sido varias las chicas que han fallecido en el lugar y todas de la misma manera: arrojándose desde el balcón del departamento.

La película toma muchas influencias para su funcionamiento, claro que la más evidente es la que explicamos líneas atrás y que se mantiene como un código más que marcado. El siguiente es el de la casa que le encuentro similitudes como Poltergeist o por citar algunas películas recientes a Extrañas Apariciones de hace unos meses atrás, claro que ahora se desarrolla todo en un departamento.

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Con la primera película la podríamos relacionar por ejemplo con el hecho mismo de que esta poseída por algo, que hasta cierto instante en la película no sabemos que es, claro que también podríamos mencionar a  Ju On, que también juega con las apariciones y sobretodo de mujeres que se arrastran por el piso y el clásico enfoque al rostro del espíritu que acecha el lugar cubierto por los largos cabellos color negro. Y con la segunda, las apariciones de Sayaka hacia Mariko que intenta decirle algo, pero no logra saber que es.

El director Ataru Oikawa intentó darle un matiz distinto a esta corriente de películas de horror japonesa, y el resultado no es nada decepcionante, sino que pudo haber sido mejor si no hubiera seguido con ese patrón, sobretodo en los últimos instantes del film, cuando el espíritu se manifiesta en todo el lugar y empieza a acechar con más fuerza.

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Al parecer el terror asiático seguirá vivo por largo tiempo mas, ya que mientras existan temores y miedos en el interior del ser humano este seguirá presente. No descartemos la idea de que Hollywood haga su propia versión del film en un futuro no tan distante y si lo hace esperemos que el resultado ojala sea más que satisfactorio tanto para publico como para la critica que se está cansando de ver remakes tras remakes sin mucho que ofrecer.

 

Por Cesar Cortez Gutiérrez


Buscando Fantasmas

 

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Wisit Sanatanieng – La Semilla del Mal 2  (Pen Choo Kab Pee, 2006)

 

Al parecer el cine asiático tiene, o está teniendo, un gran foco de admiradores en estos últimos tiempos en el mercado peruano, sobre todo en el género de terror, que es lo que más llega por aquí. Lejano están los tiempos cuando llegaban películas del medio oriente como fue el caso de El Imperio de los sentidos u otros de corte más realista o que llamen más la atención.

Con esto no estoy desprestigiando lo que más adelante les contare, ni tampoco al género del horror, que me fascina en demasía, solo es un hecho que se está dando con bastante frecuencia, lo que en otras épocas hubiera parecido increíble o impensado ver en nuestras salas de cine, ya que el cine americano es el que domina en todas partes, pero al menos en esta parte del globo se puede ver también, al menos un poco de ese “otro cine” que pocos conocen.

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Es aquí donde entra, también, el nuevo cine de horror asiático, que nos ha brindado títulos memoriables como Ringu o Ju on, ambas de origen japonés. Ahora es el turno de la cinta tailandesa La Semilla del Mal 2, lo que nos demuestra, que no solo Japón es el rey del género, pero su influencia en el resto es evidente.

Todo se inicia cuando una mujer de condición humilde llamada Nualjan, llega a una posada preguntando por la desaparición de su esposo hace un tiempo. Le dicen que se hospede en el lugar y ella se queda un tiempo luego del largo viaje que emprende. Pero en el lugar empiezan a suceder cosas extrañas que son percibidas por ella, sobretodo apariciones de sombras o fantasmas, que no sabe si es producto de su imaginación o en verdad el lugar esconde más de lo que aparenta.

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Es la residencia de Madame Ranjuan, que según la criada y confidente del lugar llamada Erb, ella no sale del lugar por encontrarse sola en el mundo. Nualjan también conoce a Choy, que es una residente del lugar también y que se convertirá en una gran ayuda para Nualjan, que con el tiempo se ganara la amistad una de la otra. Pero al final…

La película tiene en si dos partes bien definidas: casi toda la primera es dedicada a la presentación de los personajes y que es lo que hacen, además de las cosas que hacen, agregando además las apariciones de los fantasmas, pero sin ningún peligro aparente, ya que nunca se manifiestan en la presencia de Nualjan, sino que se ven en el lugar, a excepción de una niña que es la única que puede ver. Esto último puede parecer interesante, pero lo malo es que no hay acción aparente en nada de esto. La otra parte es cuando Nualjan se encuentra con su esposo lo que le dará un giro más que inesperado a la historia, y donde la acción al mismo tiempo aparece.

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El director Wisit Sasanatieng, que con esta es su tercera película, pero no la ultima que ha realizado, ya que ha hecho una en el reciente año, toma el tema de las casas embrujadas e intenta darle un matiz diferente, no con el clásico tema de que hay fantasmas y que de repente aparecen y hacen perder la cordura de inmediato, sino que trata de armar una historia en la cual uno se pregunte qué es lo que pasa, a pesar que Erb, nos da mucho que pensar con respecto a su actitud.

Se nota claramente la influencia de películas, que no es nada extraño en estos tiempos donde las ideas, al parecer han dejado de fluir como antes, pero siempre hay una que nos sorprende y nos saca de sitio. Pero esta película no es la excepción a esta regla, y ya de por si el tema de la casa embrujada la hemos visto en Amityville, en temas de posesión de gente, como en Extrañas Apariciones donde se veía fantasmas en el lugar.

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Pero lo sobrenatural son temas que explota el cine asiático, en comparación de Hollywood cuando exploto al máximo el tema de los asesinos seriales allá por la década de los 80’s. Pero ambos son aceptados como tal, ya que uno se puede encontrar con el miedo de muchas maneras y en diversas situaciones impensadas. 

También podríamos agregar que los niños en estas películas pueden ser, para el protagonista, símbolo de la esperanza y que todo saldrá bien, como tal vez la causa del problema en sí. Ese es un elemento que viene, al menos desde esta nueva generación desde Ringu hasta la actualidad.

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Esta es una película que hay que verla con suma cuidado, no tanto por el efecto del miedo, sino que por el público exigente, ya que si uno quiere ver sangre y tripas y fantasmas aterradores, definitivamente esta no va ir dirigida para ellos, pero igual le daría un vistazo, si es que me hago llamar un cinéfilo de verdad.

 

Por César Cortez Gutierrez


Otra Historia Bajo el Mar

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Eduardo Schuldt – El Delfín, La Historia de un Soñador, 2009

 

Luego de presenciar ya algunos años atrás los films de animación dentro del mar, como “Buscando a Nemo” y “El Espantatiburones”, la nueva empresa peruana Dolphin Films presenta su primer largometraje distribuida por Fox acerca de una nueva aventura marina, donde un delfín (como el logo de la productora) toma el rol principal en el entretenimiento de jóvenes y niños.

 

Luego de presenciar tres films peruanos de animación por parte de Alpamayo, se ha visto la posibilidad de seguir ejecutando más proyectos en este género, donde los niños son el principal publico junto a los padres o mayores que los acompañan. Sin embargo, la calidad de estos films y el tipo de animación deja mucho que pensar, llegando nuevamente a criticar la falta de esfuerzo de estos productos audiovisuales.

Nuevamente se vuelve a mencionar una falta de esfuerzo ante los guiones y los tipos de textos que mencionan los directores de estos films, sin embargo se le aprecia como un producto que “vende” pero que no encanta ni merece un premio.

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El Delfín: La historia de un soñador, narra la aventura de un delfín con un nombre muy largo y a su vez poco atractivo (Daniel Alejandro Delfín) que busca cumplir un sueño surfista: encontrar la mejor ola. Aunque el sueño no es muy alentador, este personaje muestra firmeza en encontrar y cumplir su meta, llegando a rechazar todo lo que conoce para arriesgarse y buscar lo que quiere.

La historia en si es interesante y completa, aunque el film no lo presenta de manera compleja ni tampoco muy profunda dejándolo algo flojo y a veces aburrido. Las escenas entretenidas, donde los niños sonríen, son con el compañero del protagonista, Carl, que intenta representar a un personaje humorístico pero que su voz y su estilo de bromas no son muy entretenidos para todo el público. Los niños se divierten pero ya los padres no tienen mucho con que divertirse en esos momentos de la película.

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Durante el trayecto, el personaje conocerá muchos amigos y compañeros que lo instruirán al sueño que desea alcanzar, sin embargo también encontrará un enemigo muy especial (casi mágico) que tiene un oculto pasado y que desea eliminar todos los sueños que existen en el mar. Lucius, como se llama el antagonista, presenta un interesante perfil de personaje.

Tan grande es la psicología que posee este personaje que pesa mucho más que el del mismo protagonista. Sin embargo, las pocas apariciones y la falta de explicación de este malévolo pez hacen que la historia se vea lineal sin muchos cambios en el transcurso del film.

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Los diversos personajes que aparecen en el film son muy interesantes y también presentan una buena base para ponerlos en muchas más escenas, pero casi el tiempo de duración de  cada uno de ellos es minúsculo, por lo que se llega a la conclusión de que han sido colocados para “rellenar” y aumentar el tiempo del film. Esto indica que ha faltado, de algún modo, un mejor armado de guion y detallar las escenas con sus respectivos personajes.

La música es un punto rescatable y cómodo del film, en ningún momento se convierte en un obstáculo ni tampoco en lo más importante de la película. La música presenta las escenas tal y como son y no hay incomodidad en escucharlas ni indiferencia en el sonido junto a la escena en la que están tratando los personajes.

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A lo que se refiere a animación, se puede mencionar que ha habido una mejora destacable a comparación de los tres anteriores films peruanos que presentó Alpamayo  en el pasado.

No se podrá comparar con las animaciones de las grandes empresas de animación, pero si se puede mencionar que ha faltado un previo estudio al movimiento de los animales antes de animarlos. La falta de ese conocimiento es tan notable que hace recordar una de las principales frases de la animación: “animación no es mover dibujos, sino es darle vida a estos”.

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Queda claro que el film es interesante y entretenido para el público infantil, pero hay que tener en cuenta que los niños también desean calidad y mejor trabajo en lo que ven, pues también exigen un buen producto.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo


Armageddon Culinario

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Phil Lord y Chris Miller – Lluvia de Hamburguesas (Cloudy With a Chance of MeatBalls, 2009)

 

Lluvia de hamburguesas, un film novedoso y muy entretenido llama la atención a muchos espectadores y hasta dudan de verlo por no conocer mucho la historia que hay dentro de éste. La creatividad de movimientos y el diseño de los personajes recuerdan mucho a las animaciones clásicas modernas junto a un sencillo, pero muy creativo, escenario en donde ocurren las más delirantes catástrofes junto a un personaje marginal que sigue su sueño, aunque muy difícil de cumplir.

 

Este film, basado del cuento de Judi Barrett con el mismo nombre, trata literalmente de la vida de Flint, un científico que ninguno de sus inventos es muy creativo para su comunidad terminando en desastres y reconociéndolo como un peligro para la sociedad. Ante sus antecedentes e inventos fallidos crea una maquina en la cual las moléculas de agua pueden transformarse en comida y así poder salvar al mundo de la hambruna.

Sin embargo, esta máquina queda suspendida en el cielo, tras un problema de potencia eléctrico y hace que la comida llueva cumpliéndose el milagro que el pueblo dejara de alimentarse de sardinas. Desde su laboratorio Flint Loco (como se hacía llamar él) realizaba los pedidos de su comunidad para que lloviese la comida que deseasen. Sin embargo, la historia no es del todo feliz, ya que la maquina se sobrecalentó y lanza los alimentos en un tamaño colosal, ocasionando destrozos y peligros en la ciudad.

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Lluvia de hamburguesas se presenta al público como un film de comedia criticando y hasta ridiculizando los films de catástrofes, tal como Armageddon (representado por albóndigas gigantes y hasta la idea de colocar un programa para que explote el sistema de la maquina) y Twister (que es representado humorísticamente con un remolino de spaghetti). A esto se les une a una gama de personajes muy peculiares y que en algún momento podrán ser identificados por el público espectador con ciudadanos de su propio entorno.

Flint, es un personaje marginado en un mundo que suele considerarse normal. Ante sus ideas locas de pequeño en hacer un mundo mejor, es muchas veces malinterpretado y por ende es un ser aislado. Al no poder cumplir sus metas siempre tuvo la esperanza de llegar a ser alguien gracias a su madre, que no para de darle ánimos a su ingenioso hijo.

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Pasan los años luego de la muerte de su madre y Flint mantiene la meta que desea llegar aunque no este ligado con sus vecinos ni con su propio padre, en el cual piensa que es momento de dejarse de juegos y lo ayude en la tienda de sardinas. El modelo del típico padre tradicional que en algunas ocasiones los padres se reconocen con él por no tener mucha habilidad en la computadora y considerar la tecnología como intranscendente.

Casi las escenas padre-hijo son muy importantes en este film, pues Flint busca hacer algo bien para que su padre se sienta orgulloso de él, sin embargo los principios de este “freak” son irreconocibles por el padre tradicional, indicando la lejanía que tienen algunos padres con sus hijos por no conocerlos bien.

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El personaje del hipócrita y doble-cara del alcalde es uno de los personajes más entretenidos de este film. Criticando nuevamente la política de una manera descabellada, el alcalde de esta ciudad de pescadores hace todo lo posible por resaltar la ciudad con algunas imágenes famosas de Baby Brent, además de acreditarse por todo y ser reconocido en otras partes del país. Todo para resaltar su ego, ante la milagrosa lluvia de comida, el alcalde se acomoda en el nuevo proyecto de Flint haciéndole muchos pedidos y malogrando el sistema  de la máquina.

En el caso de Baby Brent, un personaje que es como un rey dentro de la ciudad con su imagen de niño en las latas de sardinas, se siente muy bien junto con sus ciudadanos viviendo la gran fama. Sin embargo, ante el rechazo del pueblo luego de la gran lluvia de comida, pierde su identidad como la imagen del enlatado de sardinas y piensa en su futuro como algo más.

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Sam es el prospecto de la practicante nerviosa que sirve café hasta la oportunidad de reportar el clima en este olvidado pueblo de pescadores. Sam, nerviosa y algo reprimida por haber sido similar a Flint en el pasado, sólo que ella tuvo que cambiar para quedar bien con los demás alejándose de sus sueños. Ella y Flint tendrán atracción mutua, creando un romance poco común en estos tipos de films de catástrofes, donde los personajes no son muy atractivos por fuera, pero por dentro tienen más espíritu que un actor real.

La música no resalta mucho y los gráficos no son muy detallados. Sin embargo, este código de sencillez hace resaltar más la entretenida trama y las actitudes de los personajes. Sin duda alguna, los efectos se hacen mucho más vistosos junto a la posibilidad de presenciarlos en 3-D, pero aun así el film pesa más por su historia y no por sus efectos.

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Lluvia de Hamburguesas es una buena opción para ir a divertirse y vivir a cada segundo la aventura de Flint. Aunque no haya existido mucha publicidad en nuestro país, es recomendable para todo público y estimula a los jóvenes en seguir sus metas aunque sean muy locas.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo


Un Tesoro LLamado Amistad

 

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Klay Hall – TinkerBell y el Tesoro Perdido (TinkerBell and The Lost Treasure, 2009)

 

“Tinkerbell y el tesoro perdido” presenta nuevamente con la misma temática y animación de su película antecesora a la famosa hada de Disney junto a su poca conocida comunidad. Sin variar mucho el esquema, la protagonista se meterá en líos para salir a una nueva aventura, fortaleciendo los valores de trabajo en equipo y la gratitud de tener un amigo al lado.

 

Disney fairies decide nuevamente lanzar otro film con su más distinguida hada, que en un principio era un elemento secundario (refiriéndose a los films de Peter Pan), y su nuevo plantel de compañeros. Sin embargo, la historia ya no marca con mucha profundidad a sus compañeras hadas y sus oficios, como en su film anterior, pero toman en cuenta a Terrence y el lazo que los une como amigos.

Como remarcaron en el anterior film de Tinkerbell, cada hada nace con un estilo y habilidad diferente dividiéndolas en diferentes oficios para poder armar las estaciones del año en el mundo real. En esta oportunidad se tiene la misión de cumplir el fin del otoño junto con la luna azul, en el cual al ser reflejada en un cristal especial, hace que el árbol de las hadas aumente su producción de polvo de hadas (con lo que estos seres pueden volar).

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La celebración solamente sucede cada ocho años y siempre se lleva la gema en un cetro forjado por un hada de diferente clase y Tinkerbell es la elegida (en este film, le toca a una hada artesana).

La aparición de Terrence como su compañero de trabajo le afectará los nervios a la desesperada hada y cometerá más de un error por su falta de concentración llegando a romper la gema y proponiéndose a ir fuera de su comunidad a encontrar un espejo mágico que puede concederle un deseo. Sin embargo, ella irá sola por no contar con su amigo Terrence y no valorar la amistad.

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Tinkerbell y el tesoro perdido, como su anterior film, destaca nuevamente en la calidad de animación que posee presentando a un personaje tridimensional con cierto estilo clásico en sus movimientos y expresiones faciales, evitando perder la verdadera figura de Tinkerbell en este estilo de películas.

Ya la podemos ver ponerse roja cuando se enfurece y algunos gestos que normalmente se pierden en la animación por computadora pero que en Disney aun mantienen sus reglas como en la vieja escuela.

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La calidad de los escenarios es una representación mágica de la realidad y la habilidad de convertir partes de la naturaleza en instrumentos para dirigir mariposas y realizar adornos para esta magnífica festividad llena de vida y lujos. Obviamente los colores predominantes en el otoño (naranja, rojo y marrón) son representados de una manera pura e inteligente, sintiendo al espectador participar en uno de los ambientes más hermosos que ha podido armar Disney en estos dos films de Tinkerbell.

Como todo film de Disney, la música y las canciones no pueden estar de lado. Sin duda alguna, el estilo de música es muy reconocida y entretenida, dando un toque especial al film complementando la trama y las acciones de los seres mágicos.

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Sin embargo, la música de introducción y la del juglar en el teatro de hadas remarcan más en el film, puesto que posee un estilo al de la música irlandesa, muy al estilo celta, donde se cuentan muchas historias y describen seres fantásticos durante ese periodo de la humanidad.

Si lo vemos desde ese punto de vista, Tinkerbell y el tesoro perdido rompe esquemas en lo que se refiere a animación y en efectos especiales, unido a una música magistral. Sin embargo, Disney cae nuevamente en algunos temas muy repetitivos (pero no menos importantes) que es el poder de la amistad y saber valorar a las personas cercanas que hay en cada uno.

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Aun así, el film maneja las acciones de un modo completo y evita momentos aburridos y escenas intranscendentes, manteniendo a uno cerca de la historia y sintiendo la pequeña pero eterna magia de Disney, a comparación de los primeros films de la empresa.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo


Bienvenida, … ¿Hija Mía?

 

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Jaume Collet Serra – La Huérfana (Orphan, 2009)

 

Al hablar de una película de terror siempre la asociamos con la sangre o que necesariamente esta tiene que estar, sino no es terror. Bajo este concepto o cliché dejamos de lado el ingenio o las ganas de superación tanto de los escritores como los directores, aunque de estos se ve el trabajo plasmado en la pantalla. 

Por eso es que vemos remakes de viejas películas o nuevas que han tenido influencias de otras, pero el resultado o la trama sigue siendo la misma, sangre o vísceras por todos lados. Pero siempre en todo ese universo hay su “oveja negra”, algo fuera de lo común y que jala la vista. Este es el caso de La Huérfana.

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Esta película, a pesar de lo que voy a comentar más adelante, también tiene influencias de otras especialmente de La mala semilla (1956), y tal vez también se podría mencionar a El ángel malvado (1992), que fue interpretado por Macaulay Culkin. Ambas películas trataban temas sobre niños que tenían algún trastorno y mataban porque debían hacerlo. Claro que entre estas dos, los resultados son totalmente opuestos, ya que la primera es ya un clásico del cine de terror (con nominaciones al Oscar incluidas), la otra solo se le recuerda porque actuó en ella el ex Pobre Angelito.

Ahora es el turno de La Huérfana, tercer trabajo del director español Jaume Collet Serra, que le debemos entre sus trabajos la nada despreciable Casa de Cera (2005) y Gol 2 (2007). Esta película se desarrolla sobre una niña de nueve años llamada Esther (Isabelle Fuhrman), que es adoptada por la familia Coleman (Vera Farmiga y Peter Sarsgaard), que a pesar de tener dos niños, desean tener otro para compensar la pérdida que tuvieron cuando la madre estaba dando a luz a una niña.

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La llegada de Esther cambiara, radicalmente el modo de vida que los Coleman tienen, solo que para mal cuando empiecen a suceder cosas extrañas en el entorno familiar involucrando en ellas a todos los miembros en especial a la madre que es la que se está dando cuenta que algo raro sucede con la niña.

Cuando fui a ver la película pensé en encontrarme con otra del montón que nos tiene acostumbrado Hollywood en estos últimos años, pero fue tal mi sorpresa cuando salí del cine y me sentí realmente satisfecho de lo que había visto, sin quejas o algo por el estilo (nótese que esto es una película de terror) y es muy raro esto en un género tan discutido como este, ya que la crítica no le presta la atención debida o simplemente no le da la importancia debida.

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Bueno, tranquilamente, al menos de mi parte, podría ser la película de terror del año, por una simple razón: la excelente actuación de Isabelle Furhman, que con tan solo 12 años ha sabido llevar una gran responsabilidad y carga al mismo tiempo de manera notable, y al ver la película sabrán a lo que me refiero. Podríamos estar ante una de las revelaciones del año, ya que esta perfecta en su rol de la malvada Esther. Hay que estar atentos ante esta novel actriz en futuros proyectos, porque podría ser una de las nuevas engreídas de Hollywood si así lo deseara.

Pero regresando a la película, Esther es la que se roba las palmas, ya que sabe hacer su rol a la perfección. Es encantadora, pero al mismo tiempo cambia de  actitud y se convierte en alguien fría, calculadora y despreciable. Su “aliada”  en los crímenes es la hija de los Coleman, Max (Aryana Engineer), que es sordomuda, y es manejada a placer por ella a través de las señas y amenazas que recibe si es que comenta algo a los padres.

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Mientras que el hermanastro Daniel (Jimmy Bennett), no ve con buenos ojos la llegada de Esther a la casa y no la trata con aprecio o cariño como si lo hace el resto. Por tal entre los dos habrá un enfrentamiento y también una de las escenas más fuertes en los que a dialogo y actuación se refiere por parte de Esther, que además a mi gusto es una de las escenas más logradas de la cinta.

Me parece que las actuaciones en general son buenas, destacando además de Isabelle Furhman, la de Vera Farmiga y Peter Sarsgaard. La primera se ve como empieza a decaer su comportamiento, cuando empieza a sospechar de Esther sin tener el apoyo moral de su esposo que cada día que pasa se lleva mejor con la niña aduciendo que las cosas que pasan son producto de eventualidades o casualidades, dejando pasar por alto todo lo que ella dice hasta el clímax que se da en la parte final de la película. Los escenarios también son propicios y algunas más logradas que otras, como la escena de los juegos en el parque donde el director se lució haciendo uso de acercamientos a los juegos y lugares sombríos en el lugar, donde también ocurrirá un evento lamentable a una niña por parte de Esther.

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La Huérfana es una película que podría ser considerada como un clásico moderno, es buena y va a dejar huella para futuras realizaciones de este tipo. Y si no es así, ya que para algunos esta denominación puede resultar exagerada, al menos podemos disfrutar de una de las mejores actuaciones del año, y que no sorprenda si la tenemos al menos nominada entre alguna premiación que se hiciera de aquí en adelante. Ese es mi pronóstico.

 

Por César Cortés Gutiérrez


Encuentros Cercanos … en el Ático

 

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John Schultz – Pequeños Invasores (Aliens in the Attic, 2008) 

Tal vez este filme no sea clasificado como ciencia ficción, ni mucho menos como vacaciones de verano para jóvenes. Sin embargo, “Pequeños invasores” presenta estos dos elementos que lo convierten en un film de aventura que presenta humor, entretenimiento y la oportunidad de que los  jóvenes salven a la humanidad… nuevamente.

 

Este filme, dirigido por John Schultz (director también de “The Honeymooners”), narra la historia de una familia norteamericana que decide tomar vacaciones en una casa de verano lejos de la ciudad, sin embargo, los más jóvenes de la familia descubrirán que en el ático se hayan seres del espacio exterior que han venido a tomar el planeta y empezar una invasión global. La sinopsis de la película suena entretenida pero deja vacíos durante el metraje de la cinta pues tiene elementos muy estereotipados.

El tema es interesante y posee aventura para todas las edades, no obstante, la trama se siente muy ligera para tales personajes que podrían realizar más acciones.

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Tal como mencioné, los personajes son muy estereotipados lo que se aúna a una falta de creatividad actoral, además de que los personajes no tienen ningún cambio especial durante el film.

El personaje principal (Tom), que no es más que un “cerebrito”, decide bajar sus notas para no sentirse rechazado por los populares, sin embargo, no presenta ninguna sorpresa en su comportamiento durante la trama salvo al final en el que acepta que no se necesita fingir ser otro más que ser uno mismo.

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La hermana de Tom (Bethany) que es la típica chica frívola que sólo se dedica a rechazar a su hermano y salir con su novio Ricky, quien engaña a la familia para quedarse con ella, malogrando su propio auto y decir con ello que está varado.

La hermana menor (Hannah), que representa la parte “tierna” del film interactúa con uno de los extraterrestres (lo cual nos hace recordar algunas escenas de “E.T.”). Finalmente, están los primos de éstos: unos gemelos dedicados a las consolas de videojuegos y el hermano mayor que comparte la misma afición de su padre con los fuegos artificiales ilegales.

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Estos jóvenes se enfrentarán a cuatro pequeños extraterrestres, quienes poseen materiales de última generación para cumplir su cometido: encontrar el artefacto que los haga gigantes para poder dominar al mundo. Esto representará una gran dificultad para ellos, pues los jóvenes usan su ingenio para arruinarles el plan, sin que terminen castigados por sus padres.

Pese a que la  animación no es muy compleja en comparación con otros film en live-motion, es dinámica y también entretenida, sin embargo, la atención del público se inclina más por  los actores con lo que dejan la animación y a los extraterrestres en un segundo plano. Sin lugar a dudas, el filme  se lo lleva Tom aun cuando no posea un gran perfil de personaje.

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El guion es interesante y muy entretenido, pero la cantidad de actores nuevos hace que la trama pierda consistencia y puede llegar a ser rechazada con facilidad. Hay escenas donde se debió resaltar más el factor actoral para ayudar de ese modo a que la historia sea más impactante para los espectadores.

Esta cinta pese a  ser creativa y entretenida, no está dirigida a un público selecto pero tampoco a uno familiar ya que los temas de adolescentes son normalmente tratados en películas donde el lugar más común es la preparatoria y en el que se mantiene un limitado nivel de comedia – tal como en su film anterior, “The Honeymooners”.

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Al poseer gran cantidad de elementos y no saber controlarlos (como la comedia, la aventura, la acción con los extraterrestres, etc.) el filme de John Schultz deja como saldo un film entretenido pero que no podrá  convertirse en un trabajo reconocido.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo


¿A la Familia se le Respeta?

 

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 Dennis Illaris – La Venganza de la Casa del Lago (The Last House on the Left, 2009)

La violación debe ser, tal vez, la cosa más humillante que le pueda suceder a un ser humano. No solamente esta ya el simple hecho de hacer algo en contra de tu voluntad, sino las secuelas que esto puede producir, como la baja autoestima, el miedo de relacionarse con otras personas o simplemente cargar con algo que nunca debió de suceder.

A partir de esta idea nace la película “La venganza de la casa del lago”, dirigida por el director griego Dennis Illiadis, que como todos sabemos, se basa en la película del mismo nombre que fue dirigida por el maestro del genero de horror Wes Craven, en colaboración con otro de las leyendas como es Sean S. Cunningham como productor, y también director de otro mito del cine de terror como es Viernes 13 allá por el año de 1980.

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Tanto Craven como Cunningham, están comprometidos en el proyecto como productores y se decidieron por este novel director que en su haber solo tiene una película dirigida que es la griega “Hardcore” en  el 2004.

No habrá de seguro detractores que dirán que los remakes de películas antiguas no superaran a las originales en ninguna sentido, lo que en su mayoría es una gran verdad, pero los estudios de cine no les interesa mucho ese sentir del cinéfilo, basta con que vaya a las salas de cine y que la cinta logre una recaudación de dinero muy buena para sus arcas.

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Los estudios saben que esta clase de películas gustan y en demasía al publico juvenil, por tal no se esmeran en que el producto salga optimo, sino dar un buen espectáculo, aunque este sea una película de horror y no una de ciencia ficción. La venganza de la casa del lago es otra más que se une a esa larga lista de remakes que no superan a la original lamentablemente.

La película nace raíz de las victimas en este caso Mari (Sara Paxton) y Paige (Marha MacIsaac), en lo que es un cliché de las películas de Hollywood: la confianza de un extraño. Aunque en este caso esa persona, que no es otro que el hijo de Krug, Justin (Spencer Treat Clark), no es el malo de la cinta, ya que su intención es ir al cuarto de hotel donde el se hospeda y fumar un poco de marihuana.

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Es ahí donde llega la banda, las ve y no las dejan salir, lo que conllevara a llevarlas al bosque para asesinarlas en primer termino, pero terminaran siendo una de ellas violada por Krug. Las imágenes de la violación no son tan explicitas como hubiera imaginado, pero de hecho fueron elaboradas con un verdadero profesionalismo estético y actoral sobretodo.

Podemos ver que hay dos clases de familia, una por el lado de los delincuentes con Krug (Garrett Dillahunt) a la cabeza, además de su amante, hermano y el hijo que esta en contra de las acciones que hace el padre, es decir ser un asesino y demás. Por otro lado esta la familia Collingwood, con los padres John y Emma (Tony Goldwyn y Monica Potter) y la victima en cuestión, Mari (Sara Paxton), una familia de clase media alta, bien unidos en lo que hacen, que van al campo a pasar sus vacaciones sin saber lo que vendría luego al saber que su hija fue violada, que será el motivo por el cual los padres tomaran la justicia por sus propias manos.

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Es a partir de aquí donde la moral y las buenas costumbres se quiebran y se dejan de lado con tal de vengar la violación que ha sufrido su hija en mano de estos desadaptados, es decir donde los malos se convierten en las victimas y los buenos caen en el hoyo de la maldad, que ellos entienden que es por un buen motivo, y eso queda bastante claro al ver las imágenes.

Dennis Illiadis no explota al máximo el producto, y eso que tiene a Wes Craven al lado, sino que hace lo mínimo para dejar satisfecha a la platea, en darle algo “digno” de ver y no sacarle el jugo a los juegos de cámara que se pueden hacer, al igual que a las actuaciones de los protagonistas que no son explotados y dirigidos como deberían de haber hecho. El director tuvo algo grande en sus manos, pero al parecer se mareo al tener a Craven y Cunningham a su alrededor.

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No quise hacer la comparación con la original, porque eso le restaría puntos a esta realización, aunque debería, pero lo dejo al criterio del público. Pero siguiendo con esta película,  La venganza de la casa del lago, no es una mala película, pero tampoco una de las mejores del género, solo queda como anécdota que sacaron una película del baúl de los recuerdos para el público de las nuevas generaciones, que ahora saben que existió una anterior a esta. Les recomendaría ver la original y saquen sus propias conclusiones, porque yo las hice.

 

Por César Cortez Gutiérrez


Los Dos Rostros Adormecidos

 

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Jon Avnet - Las Dos Caras de la Ley (Righteous Kill, 2008)

La cinefilia esperaba que la reunión de dos grandes actores como Robert De Niro y Al Pacino tenga por resultado una experiencia memorable. Como un hecho mítico quedó aquella primera coincidencia de sus nombres dentro de un reparto, como ocurrió en la imperdible “El Padrino 2″ de Francis Ford Coppola. En aquella ocasión el inmenso talento de ambos se encontraba en magnifica forma, aunque en forma separada debido a su participación en distintos episodios del relato.

Varios años después, fuimos testigos de un primer enfrentamiento a través del film “Heat”, dirigido por eficaz realizador Michael Mann, en el cual la sola presencia de ambos actores en la pantalla se convertía en el primer punto de atracción hacia un intenso relato policial, llevado a cabo en forma muy sólida, es decir, era una virtud entre otras también muy destacables.

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Y es que en aquel film, tanto Pacino como De Niro supieron dar vida en forma convincente a dos contrincantes sobrados de madurez: un policía ejemplar de amplia experiencia y un delincuente frio y astuto, aunque ambos veían cómo sus vidas íntimas se desmoronaban, victimas de sus obsesiones. Sin embargo, esta interesante película nos hace extrañar la falta de escenas compartidas entre ambos actores, siendo sus labores limitadas a ambas historias paralelas, cuyos puntos en común resultan apenas vislumbrados: destacan una conversación entre estos personajes donde los primeros planos se reparten entre ambos y un plano final que muestra el desenlace de su enfrentamiento sumido en las sombras de la noche.

Hoy, casi ocho años más tarde podemos encontrar a ambas figuras, muy significativas dentro del cine norteamericano desde hace ya cuatro décadas, por fin en total entrega en una nueva producción dirigida por el veterano Jon Avnet, titulada originalmente “Righteous kill”, estrenada en nuestro medio bajo el nombre de “Las dos caras de la ley”.

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Como dijimos al inicio, el resultado no es lo que gran cantidad de cinéfilos pudieron haber esperado. Y es que la importancia de ambos actores dentro del cine moderno se merecía una mejor oportunidad. Sin embargo, es de reconocer que tanto De Niro como Pacino tampoco gozan actualmente de un buen momento; lejanos quedan aquellos años en que ambos actores dieron trabajos memorables en cintas convertidas en clásicos imperdibles.

Robert De Niro y su unión al director Martin Scorcese sigue siendo memorable, mientras que Al Pacino junto a directores como Sidney Lumet o Brian De Palma hizo lo propio en forma admirable.

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Hoy en día, los años transcurridos parecen cobrar el duro trajinar de ambos, y su presencia conjunta en la pantalla carece del mismo impacto, y no tanto por lo maduros que puedan verse, sino más bien por un menor despliegue de sus innegables talentos interpretativos, que más bien lucen adormecidos en estos últimos tiempos. A ello debemos sumar la poca trascendencia de sus trabajos más recientes, por lo cual un nuevo film con ambos actores no resulta tan llamativo como antes.

Podemos decir que en este nuevo trabajo la labor tanto de Pacino como de De Niro no alcanza la misma calidad de antes. Es casi un ejercicio actoral realizado por ambos, lo cual, por supuesto, cumplen medianamente sin mayor sobresalto. Es cierto que el guión tampoco resulta precisamente una notable fuente de expresión, pues tiene diseñados un par de personajes que bien pudieron ser calzados por otro par de actores, y sin duda con ello no se estaría hablando de este film.

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La situación  anecdótica del encuentro de ambas estrellas (“son como Lennon y Mc Cartney”) se convierte en el mayor atractivo de esta producción. Y es que la labor del director Avnet es bastante plana. Si bien es cierto hay una conducción eficiente durante sus primeros 15 o 20 minutos, que termina con el tiroteo dentro de un banco convertido en discoteca, lo siguiente es una pérdida de interés provocado por un devaneo de ideas, muchas de ellas bastante forzadas, como por ejemplo la violación a una oficial, porque estas situaciones no buscan otra cosa que un efectismo metido a martillazos dentro de un relato que poca miga ofrece y que tiene una intriga cuya resolución se ve venir a leguas.

Ni siquiera el supuesto discurso acerca de la legalidad y la justicia, que pudo alcanzar un nivel de interés en boca de estos actores, es algo merecedor de mayor atención, pues su énfasis en distinguir lo legal y lo ilegal esta muy visto en muchas historias similares, de justicieros que toman la ley en sus manos hasta perder el control.

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La falta de ideas y su desarrollo convencional apenas permiten que el film se haga tan atractivo como un mediano telefilme resuelto en forma expeditiva, donde lo más importante se encuentre en los nombres de su reparto actoral. Ello debido a que la presencia de intérpretes como el veterano Brian Dennehy o los más jóvenes John Leguizamo y Carla Gucino, también se convierte en tan anecdótica como la de sus estrellas principales. Una lástima que haya ocasiones como ésta, donde el mercadeo actual se sitúe por encima de la preocupación por entregar un trabajo de mucha mayor envergadura.

 

Por Enrique Rodríguez


Un Tornatore Desconocido

 

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Giuseppe Tornatore - La Desconocida (La Sconosciuta, 2006)

 

¿Quién es Irena? ¿Quién es aquella mujer que viene de ninguna parte? ¿Qué se esconde en ese pasado de fragmentos inconexos cuya sola remembranza descompone su rostro en una arcada de angustia? ¿Qué hay en esa mirada acechante, cubierta por una máscara de látex o de desconfianza? ¿Qué busca Irena en su aparente sumisión, en el cumplimiento diligente de un empleo miserable, en un seno familiar que nunca será el suyo, en el cabello de una niña que no la conoce?

Es impresionante la cantidad de preguntas capaces de formular veinte minutos de imágenes, al cabo de los cuales  la intriga está plenamente enraizada y las piezas del pasado de nuestra protagonista, a todas luces sórdido y cruel, empiezan a tomar forma. Una forma que en definitiva no queremos ver.

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Un pasado atroz del cual será muy difícil desprenderse por completo, al cual nos asomamos apenas iniciada la cinta, merced a tétricas escenas donde un personaje oscuro y siniestro selecciona mujeres con el rostro cubierto, como si se tratara de ganado.

El último trabajo de Tornatore sorprende primero por su inmediatez. Por la cantidad de información e interrogantes sembradas en apenas los momentos iniciales del film, pero manejados con tal prolijidad que no confunde al espectador, sino que lo adentra e el drama de la protagonista, lo hace partícipe de su odisea y lo hace cómplice de los pecados que comete en su búsqueda.

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Es asimismo una aproximación al cine de intriga y suspenso inédita en su autor, que lleva a buen puerto este proyecto desde su particular punto de vista. Artesano experto, el director no deja cabo sin atar.

Cada elemento del engranaje ha sido sembrado con premeditada cautela. La escalera interminable y vertiginosa. La niña nacida sin reflejos de supervivencia. La revisión metódica e imperturbable de la basura de otros. No hay piezas sobrantes ni diálogos soltados al aire. Todo tiene su razón de ser.

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Curiosamente, es en esta etapa de planificación de los hechos que precipitan el desenlace, magistralmente contenidos, en que la cinta encuentra su fortaleza, ante la que ceden los acontecimientos explícitos de la tercera y última parte de la historia, donde se revelan en detalle todos los misterios relacionados al pasado de Irena, algunos de los cuales tal vez debieron quedar simplemente sugeridos.

Asimismo resultan forzados algunos giros finales del argumento, o tal vez opacados por la brillantez de las primeras escenas. En su afán de cerrar por completo el círculo y contestar a todas y cada una de las cuestiones planteadas, desluce el producto final trasgrediendo la esencia del género de suspenso: dejar al espectador con las ganas de saber más.

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Gran parte del éxito de la cinta, que ha cosechado gran número de premios en su Roma natal, se debe al trabajo intachable de sus actores principales. La rusa Xenia Rappoport, de quien quedamos deudores de consultar más piezas de su filmografía, lleva las riendas del drama con absoluta credibilidad, llegando a hacer que las demás interpretaciones, más que correctas en conjunto, resulten deslucidas en comparación a su magistral interpretación del personaje principal. Mujer cuya fortaleza va más allá de la supervivencia. Movida por impulsos que mezclan la venganza, el amor de madre, el anhelo de una vida apacible que probablemente nunca podrá alcanzar.

Mención aparte la música de Ennio Morricone, uno de los pocos compositores cuya sola mención es capaz de atraer espectadores a las salas de cine, impecable en el trasfondo de los hechos narrados, pero que no acaba de encontrar su lugar ni de obtener una personalidad identificable con la obra que acompaña, como sí lo logró en la premiada Cinema Paradiso, imponiendo una de las más hermosas melodías que los cinéfilos estaremos silbando hasta la tumba.

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Digna de buscarse y disfrutarse, esta película promete no dejar indiferente al espectador, así como de proporcionar un thriller que no decae en momento alguno, y de cuyo manejo, si bien imperfecto, tienen mucho que aprender los fabricantes de sustos de la maquinaria hollywoodense.

 

Por Gonzalo del Carpio Bellido


Desanimada

 

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Carlos Saldhna y Mike Thurmeier – La Era de Hielo 3: El Amanecer de los Dinosaurios (Ice Age: Dawn of the Dinosaurs

 

La era del hielo 3 es la última aventura de animación de Blue Sky Studios, quienes compiten con Pixar y con Dreamworks en la producción de dibujos animados para Hollywood. Los resultados son conocidos por todos: Pixar ha llegado a consolidar un nombre debido a la calidad de sus producciones, mientras que las otras empresas han marchado bastante bien también si hablamos de resultados taquilleros.

Quizá uno de los productos no Pixar más conocidos es “la era del Hielo”, que narra las aventuras de tres amigos (un mamut, un tigre y un perezoso) en plena era del hielo y del deshielo. Las tres partes de esta franquicia se han mostrado bastante exitosas, lo que lleva a pensar que se vendrá una cuarta o una quinta.

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 La era del hielo 3 nos narra la historia de estos tres personajes y el encuentro que tienen con el mundo de los dinosaurios, en el cual vivirán más de una aventura.

 Este texto, que en teoría debería ser una crítica del film, servirá para demostrar algunos puntos interesantes con respecto a la animación. Creemos que resulta pertinente analizar esta cinta en base a lo que ha estado produciendo Pixar, o mejor dicho, a lo que esa casa ha estado creando a partir de su estilo.

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Lo que resulta apasionante en Pixar es el hecho que crea mundos propios, que utiliza la animación para generar a partir de ella un lenguaje propio, donde los espacios y las texturas tienen un valor porque sí. Tomemos como ejemplo “Los increíbles”, quizá la mejor cinta del grupo.

En ese film, los espacios eran creados de acuerdo a las necesidades expresivas: recordar, por ejemplo, toda la primera parte, en donde los espacios cuadrados y asfixiantes parecían aprisionar al musculoso y grande Sr. Increíble. Esa cotidianidad que abrumada al personaje estaba construida a partir de la animación, generaba un mundo que utilizaba el lenguaje animado como forma de puesta en escena.

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Sin ir muy lejos, “Up” demuestra exactamente lo mismo. Los diez primeros minutos utilizan la animación para mostrarnos la relación entre el viejo protagonista y su mujer, en donde los momentos más coloridos iban acompañados de momentos mucho más obscuros: el trabajo del color que da la animación servía para mostrarnos los momentos, tanto buenos como tristes, de la vida en pareja. Y cuando la aventura comenzaba, la pulsión del descubrimiento estaba construida a partir de unos paisajes digitales en los cuales los personajes se movían, haciendo que la relación con el espacio sea algo primordial para seguir la aventura.

Pues bien, estas ideas sirven para compararlas a lo que nos ofrece La era del hielo 3. Si en los productos Pixar, la puesta en escena se basa en el poder que tiene la animación para generar mundos distintos y en la capacidad que tienen los directores para aprovecharlos, el film plantea al diálogo como base de su propuesta.

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Esto no estaría para nada mal, si no fuera porque cada frase que lanzan los personajes se siente como si estuviéramos en una sitcom. No importa tanto el diálogo en sí sino la frase ingeniosa y graciosa, o el chiste puntual, casi señalado, para que el espectador se ría. Esto hace que todo se sienta demasiado verboso y calculado, lo que termina por agotar. Además, el personaje de Sid se convierte en un reto a la paciencia.

Está bien que se quiera tener un personaje que se caracterice por su torpeza o por su falta de inteligencia; el problema cuando se siente que ese personaje ha sido creado solamente para reírse de él, de la forma más condescendiente. Sid no tiene derecho a ser un personaje, sino simplemente un objeto de burla hecho por gente que cree que los niños son subnormales.

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Los problemas de “La era del hielo” parten desde su incapacidad para usar el cine de animación como otra cosa que no sea el mero vehículo de sus chistes verbales. Y eso hace que sea una experiencia por momentos agotadora.

 

Por Rodrigo Bedoya


La Historia Hecha al Cálculo

 

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 Alex Proyas – Presagio (Knowing, 2009)

 

El titulo original del film “Presagio” es “Knowing” el cual alude directamente a su tema central, acerca de un saber superior a nuestros limites. El actor Nicolas Cage interpreta a John Koestler, un catedrático universitario que se ve obligado a resolver un misterio surgido hace 50 años. Lo que se oculta detrás de esto es un secreto de proporciones cósmicas, pues van más alla del tiempo y el espacio.

Las catástrofes ocurridas a lo largo de la historia y la próxima amenaza del fin del mundo han sido plasmadas por una niña pequeña en una hoja de papel en base a series numéricas.

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Este escrito que ya cobra un carácter de texto prohibido, llega a manos de Caleb, el pequeño hijo de John, quien desde entonces empieza a sufrir alteraciones en su comportamiento. Los mensajes cifrados son resueltos accidentalmente, y lo que se descubre es una serie numérica bastante sencilla de interpretar, con excepcion de un pequeño detalle el cual luego revelará su significado.

Se trata de una guia catastrófica del mundo de los últimos 50 años hasta nuestros dias, siendo las últimas cifras, casi al pie de página, la referencia a tragedias que están a punto de suceder. Este descubrimiento lleva a John a replantear sus convicciones con respecto a la vida y a su concepción de la realidad, afectada tras la pérdida de su esposa en un terrible accidente de carretera.

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Los primeros minutos del film se nos presentan como el preámbulo de una historia de misterio y suspenso, en la linea de las peliculas de temática sobrenatural con niños protagonistas que tanto han sido vistas en esta década. Este aspecto del relato es desarrollado en forma correcta y efectiva por el director Alex Proyas, uno de los más estimados realizadores del cine fantástico norteamericano, siendo los mejores momentos aquellas secuencias de suspenso donde unos misteriosos personajes hacen furtivas apariciones.

El personaje de John Koestler representa la vertiente cientifica de la actualidad; sin embargo, ese carácter suyo cae ante el terror de lo que llega a descubrir, y sobretodo tras la comprobación de su real dimensión. El relato pasa a privilegiar la acción y el suspenso que envuelven todos los actos llevados a cabo para impedir la fatalidad del destino. De inmediato, “Presagio” se convierte en una pelicula de catástrofes, similar a muchas donde alguien advierte del peligro inminente pero nadie hace caso.

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Sin embargo, más que a cualquier pelicula de catástrofes clásica, lo que nos recuerda este film es a la vertiente sobrenatural de una pelicula como “Mensajero de la oscuridad (The Mothman prophecies)”, donde, como ocurre aqui, existen entidades ajenas a este mundo que advierten al humano comun y silvestre de una tragedia inminente. Aunque las similitudes son sólo argumentales, pues la dinámica labor de Proyas es mucho más lograda de principio a fin.

Nicolas Cage hace un trabajo adecuado como el cientifico respetado que se vuelve paranoico y envuelto en situaciones inquietantes, como el accidente en la carretera, el impresionante y espectacular momento en el subterráneo, y el primer contacto con unos extraños sujetos, de acción decisiva en el destino de la humanidad.

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Su personaje se sostiene adecuadamente a lo largo del film, permitiendo al actor realizar su trabajo en forma aceptable. Tambien tenemos a la actriz Rose Byne, quien no tiene una actuación muy destacada al interpretar a Diana, otra victima del destino, ya que su participación no es más extensa.

Si bien es cierto que el tema tratado en esta pelicula es ambicioso con respecto a las grandes preguntas de la humanidad, tambien lo es el hecho de que no alcanza un mayor nivel debido a la forma discreta en que es desarrollada, es decir, a partir del drama de una familia, un padre y su hijo, quienes llevan el asunto de espaldas al mundo.

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El guión encierra la intriga en un número reducido de personajes, aunque a decir verdad, lo hace en forma poco convincente. Es por ello que no existe mayor cuestionamiento al estado del mundo, no hay diversidad de temas ni de escenarios. Los puntos finales se desatan en forma simple y llana, con una ligereza que puede resultar escandalosa. Por ejemplo, John, de los miles de astrónomos en el mundo, es el único capaz de descubrir una tremenda amenaza sobre el planeta.

El gran mérito del film está en la correcta labor de Alex Proyas, quien se encarga de imprimir en sus imágenes un clima de suspenso apreciable y sobretodo una espectacularidad de primer nivel, como se aprecia en los momentos de acción que se desencadenan. Por último, el sentido de lo fantástico esta siempre presente en forma impresionante, incluyendo una connotación celestial admirable.

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Un buen momento el cual Proyas con su gran capacidad visual nos presenta acertadamente. Acompaña el desarrollo del film la efectiva musicalización del reconocido compositor Marco Beltrami.

“Presagio” se convierte en un filme eficaz y recomendable gracias a la buena labor de su director, a pesar de contar con un guión el cual, si bien es cierto cuenta con elementos de interés como el tema de las profecias, el factor extraterrestre y sus toques de cine de catástrofes, aún asi resulta limitado y poco ambicioso. La lección de este relato es aceptar con resignación el destino que el universo nos depare.

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 A pesar de ello, la apuesta de Proyas por un desarrollo fluido y una buena puesta en escena en su espectacularidad y en su aspecto fantástico, además de contar con un aceptable trabajo de sus actores, permite aprobar este film con toda confianza. Una demostración de la importancia que tienen los buenos realizadores en el cine de hoy en dia, muy capaces de salvarnos al menos de un dia aburrido.

 

Por Enrique Rodríguez


El ABC de UN BLOCKBUSTER

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Michael Bay – Transformers: La Venganza de los Caídos (Transformers: Revenge of The Fallen, 2009)

La película más esperada por los multicines del mundo entero era, qué duda cabe, “Transformers 2: La venganza de los caídos”, un filme dirigido por Michael Bay quien logró dejar satisfechos a los productores de la primera parte por su sólido éxito en las boleterías, dejando en éxtasis a millones de adolescentes alrededor del globo.

La expectativa por ver en pantalla a los robots de la serie animada que acompañó a los jóvenes de hace 15 años era enorme, y de ello se desprende la descomunal popularidad que alcanzó la cinta estrenada el 2007 bajo el padrinazgo de Steven Spielberg. Tranformers llegó a recaudar más de 700 millones de dólares en todo el mundo, dejando la puerta, ventana y sótano abiertos para una secuela.

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Michael Bay, creador entre otras de “Armageddon” (1998) y “Pearl Harbor” (2001), fue el encargado de ponerse a encabezar el proyecto y logró condensar en 143 minutos todo lo que un espectador promedio de multicine espera: un guión bastante ágil, parlamentos chistosos, efectos especiales a montón y una promoción de actores con el suficiente carisma para quedar en la retina.

Es en este filme que surgen los rostros de los novatos Megan Fox y Shia LaBeaouf, quienes vieron cómo su trampolín a la fama se daba gracias a la batalla entre los Autobots y los Decepticons.

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No se precisaba de muchos cambios para proseguir con la fórmula del éxito, muy por el contrario, había que afinar algunos detalles para que la secuela eleve al máximo el éxito ya conseguido.

Y es así como Michael Bay multiplica por tres las escenas de peleas entre los robots diseñados por computadora, así como incrementa las explosiones y ubica la cinta en un clima bélico que tiene a los desiertos egipcios (es decir, amplios campos de batalla) como escenarios perfectos.

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Por si fuera poco, la nueva sex symbol de Hollywood, Megan Fox, debía ser aprovechada al máximo y es así como la vemos en ese escaparate inmenso que es la pantalla de cine. Bay nos la ofrece, nos la muestra en todo su esplendor, con ajustados tops, generosos escotes y en posiciones que dejaban atónito a más de uno.

El argumento es quizá  lo que menos importa, lo que menos trabajo le costó a los guionistas y al director. Ya todo estaba perfectamente diseñado para encandilar a las plateas en lo que el crítico Roberto Alcover Oti (Miradas de Cine) ha catalogado de forma perfecta como “pura pornografía del metal”.

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La idea era revivir al villano Megatrón, incluir a otro mucho más poderoso (El Caído), continuar con la idea de que Sam Witwicky (LaBeaouf) era una especie de elegido, el escote de Megan Fox y mucho más metraje para que los efectos especiales hagan las delicias de los espectadores.

Confieso que la primera parte cumplió su cometido en mí, es decir, sabía a lo que iba: entretenerme, pasar el rato y no pedir más. Esta segunda parte es absolutamente intragable y se me presenta como una orgía de efectos especiales sin ton ni son. Casi tres horas de peleas en las que no se puede distinguir quien es quien, resurrecciones por doquier y chistes de mal gusto con connotaciones sexuales típicas del imaginario gringo. Demasiado. Hasta Megan Fox empalaga, algo que jamás me hubiera imaginado.

Por Fernando Vega Jácome


Compra Grupo 5

 

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 Enrique Chimoy – Motor y Motivo, 2009

 

Ya no quedan muchas salas. Sin embargo, en su primer día superó las ventas de La teta asustada. Son cuestiones de marketing. El leit motiv de la ficción podría ser “el Grupo 5 no se vende”. No obstante, luego de verla, lo que verdaderamente queda claro es que el Grupo 5 sí se vende, y muy bien, lo que por cierto —vale decirlo— no tiene nada de malo.

A continuación, motores y motivos para bailar sin pagar entrada.

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Motor

Hartas ganas de gustar. Que van desde la inclusión de canciones, hasta alejar el film de la reconstrucción de las vidas de sus integrantes. Más bien la apuesta corre por el lado de la emoción, de la expectativa: el Grupo 5 dentro de una ficción chillona, con narcos que los persiguen, solamente por la necedad de comprar la banda. Para lavar dinero. Pero, claro, el Grupo 5 no se vende

Ése es uno de los ejes, o motores. Otro lo constituye la figura del hijo pródigo, el miembro que se distanció en el pasado y ahora vuelve por necesidad (sus malas finanzas lo apremian). Y cada conflicto se encuentra relacionado con un miembro de la banda, después de todo se trata de los protagonistas. El cachetón anda perdidamente enamorado, pero después se desenamorará. El gilero asimismo encontrará lo suyo, con la periodista que cubre la gira, gira sobre la que corre todo el film. No a manera de road movie —aunque sí se mueven en el bus oficial de la banda, de hecho el bus algún protagonismo posee—, sino cada parada se asocia a un concierto, un concierto o canción a una historia, los personajes cantan sus sentimientos como en un musical.

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Entonces, poco a poco, entre tonada y baile, los protagonistas se van acercando al concierto en su ciudad natal, donde además los condecorarán ciudadanos ilustres. Y conforme se aproximan los conflictos se solucionan de manera expeditiva. Demasiado expeditiva, pero eso a nadie importa, porque la música sonó y hubo tiempo de corearla y de observar a sus interpretes actuar.

Motivo

El propio Grupo 5, los héroes de la noche. No ceden ante las presiones, resuelven sus problemas sin ayuda de la policía, merecen lo que han alcanzado por la nobleza de sus sentimientos. Después de a la cerveza Cristal, el tributo se encuentra dirigido a ellos —y luego a la retahíla de demás auspiciadores, cuyos logos deben ser mostrados. No es para menos. La película lleva su nombre y trata sobre su fama. La preocupación porque aparezcan fans en casi toda escena en exteriores así lo demuestra.

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Si por un lado tenemos ganas de gustar y por el otro la idealización de la banda, nos hallamos frente a la película del Grupo 5, que se encuentra lejos de la típica película biográfica sobre una banda y mucho más cerca, en cambio, del Blockbuster oportunista, que no obstante aporta una manera diferente de aproximarse a una banda, un modo más marketero.

Y al mismo tiempo alternativo, y exitoso, mezcla atípica de realidad y ficción. No como falso documental ni nada por el estilo. El recorrido de la banda aderezado con ficción, como las pequeñas mentiras que enriquecen el relato de un hecho cualquiera. Al punto que su excusa facilista se traga sin problemas. Los fenómenos comerciales son difíciles de entender. Nada más misterioso que lo que le gusta a la gente. Pero en fin: a bailar cumbia.

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Las cosas cambian. La masiva popularidad del Grupo 5 constituye una prueba. Habrá que exprimir bien a la gallina de los huevos de oro. Y rastrear como encontró el camino al trono.

 

Por Eugenio Vidal


Mundos Animados

 

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Pete Docter y Bob Peterson – Una Aventura de Altura (Up, 2009)

 

La películas que ha ido diseñando la casa productora Pixar son de lo más interesante que se produce en el campo de la animación. Sus trabajos suelen adentrarse de lleno en la aventura, sin caer en la ñoñería o en el sentimentalismo de buena parte del cine de animación contemporáneo.

“Los increíbles” o “Ratatouille” son claros ejemplos de cómo hacer cine para niños, pero sin subvalorar al espectador. Tal es el caso de “Up, una aventura de altura”, una nueva muestra de la capacidad que tiene el estudio para entregar buenos productos.

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Los primeros 15 minutos del film son notable: es el recuento de la relación entre el viejo y su esposa, desde que eran niños hasta que él hombre se queda viudo. Con velocidad y precisión, Peter Docter nos da cuenta de la relación entre ambos personajes a partir de pequeñas momentos basados en la cotidianidad.

A partir de la mera animación, y creando un mundo propio (las particularidades de los rostros, las texturas de los objetos, de los ambientes, de los lugares), se consiguen transmitir sentimientos muy humanos, muy reales. Quizá ese sea el principal mérito de la fábrica Pixar: el de generar mundos propios, a partir de las texturas que da el cine de animación, pero que van generando sensaciones cercanas e intensas.

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Y acá no estamos hablando tanto de las historias (evidentemente una rata que habla o una familia de superhéroes, al igual que una casa voladora, son cosas netamente fantásticas), sino como, a partir de la puesta en escena que sabe aprovechar la imagen que da el cine de animación, se van contando estas historias, creando mundos distintos y apasionantes, muchos de los cuales contrastan lo cotidiano con lo fantástico, o, mejor dicho, como lo cotidiano busca aplacar lo fantástico, como la normalidad es algo frente a los cuales los personajes buscan huir de cualquier manera.

“Ratatouille” o “Wall-E” son ejemplos perfectos de personajes que buscan salir de un letargo que produce la normalidad del mundo en el que encuentran que se ve reflejado a partir de una puesta en escena que va generando cierta sensación de encierro a partir del recurso animado.

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Este punto es importante cuando los personajes llegan a la jungla sudamericana. Ahí Docter le da un ritmo distinto al film, sabiendo crear expectativa ante el nuevo mundo al que llegan. Los planos más largos y el juego con los silencios son los que van permitiendo que se genere cierta curiosidad por el saber en que lugar se encuentran los personajes.

La noción de la aventura es algo que el director consigue manejar muy bien en esa parte del film. Y en esa noción de la aventura se manejan muy bien tanto el pájaro como el perro que habla, personajes que acompañarán a los protagonistas.

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Ambos aparecen de la nada, totalmente integrados al espacio en el cual se mueven los personajes. Lo fantástico aparece como si fuera la cosa más normal del mundo, permitiendo justamente aumentar la expectativa que se genera en ese ambiente.

Cuando la película se lanza a una historia más convencional, con buenos y malos, pierde un poco de ese interés que había generado. La aparición del villano le quita la fuerza y la pulsión a partir de lo desconocido para adentrarse a tópicos más recorridos, donde no importa tanto ese ambiente que se había creado sino la acción y la narración sin pausa.

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En las mejores películas de Pixar, (“Ratatouille”, “los increíbles”, “Toy Story”, “Wall-E”), lo que importaba era justamente la creación de espacios que iban prefigurando un ambiente.. recordar la manera en la cual todo parecía uniforme y enajenado en “Los increíbles” y como contrastaba con el ambiente mucho más libre en su segunda parte, más derivada a la acción.

Lo mismo se puede decir del ritmo que imponía “Wall-E” o de la cotidianidad hasta aburrida que se iba rompiendo en “Toy Story”. En “Up”, se deja un poco eso de lado para dar paso a la acción, lo que hace que su segunda parte sea menos satisfactoria que la anterior.

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 Si bien no es el mejor producto proveniente de la factoría Pixar, en sus mejores momentos “Up” consigue trasmitir ese contraste entre lo cotidiano y fantástico, algo que es una de las claves de la factoría. Esperemos que en el futuro el nivel de estos films no decaiga.

 

Por Rodrigo Bedoya

  


Multinacionales dirigidas por Sujetos graciosos

 

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Tony Gilroy – Duplicidad (Duplicity, 2008)

 

“Duplicidad” es la segunda película del director Tony Gilroy  -el mismo que sorprendió con su debut detrás de las cámaras con la aclamada “Michael Clayton” (2007)-  quien desarrolla un entretenido ejercicio de denuncia contra las grandes corporaciones manejadas, en muchos casos, por tipos de doble moral, cínicos y torpes.

Gilroy vuelve a mostrarse como un realizador con bastantes recursos al momento de narrar una historia. Jugando con los tiempos, utilizando los giros inesperados con un guión bastante recargado en un inicio, pero que logra ir ganando en emociones conforme avanza el metraje, “Duplicidad” tiene una carga humorística que se torna bastante atractiva.

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Desde el inicio mismo de la historia podemos apreciar la forma en la que el director se tomará la cosa: presenta un grupo de personajes amorales, con la careta muy bien puesta. Es graciosa la forma en la que los presidentes de las dos grandes corporaciones rivales se enfrentan en cámara lenta y se enfrascan en una pelea poco menos que ridícula, como si de dos niños engreídos se tratase.

El agente del MI6 Ray (Clive Owen) y la agente de la CIA Claire (Julia Roberts) se conocen de la forma en la que sólo dos espías podrían hacerlo. En un inicio su relación se basa en el odio y la desconfianza, pero poco a poco nos daremos cuenta que los dos desarrollan una historia de amor poco convencional que se funda en el aprovechamiento.

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Ambos agentes logran infiltrarse en dos corporaciones rivales con el único objetivo de robar la idea revolucionaria que tiene una de ellas, la misma que es guardada bajo siete llaves.

A partir de aquí, y luego de un inicio denso, somos testigos de la intrincada trama que goza de la suficiente capacidad ideada por el director para ir ganando en emoción, con el virtuosismo de los filmes de intriga de antaño.

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A pesar de las críticas negativas que recoge Clive Owen (el nuevo tipo duro de Hollywood), su trabajo es bastante sólido y forma una pareja muy atractiva con Julia Roberts, quien parece ir ganando con los años la clase que sólo las divas pueden conseguir. Verla actuar es un disfrute que no tiene precio, no sólo por su capacidad histriónica sino por la seducción que logra destilar en los instantes precisos.

La buena química es evidente y repiten el plato luego de su participación en Closer (2003) de Mike Nichols. La historia de amor de ambos –cuya base sólida es el engaño- se entrelaza con los golpes bajos y los trucos fuera de la ley que ejercen las grandes compañías para hacerse de las ideas clave que marcan la creación de los nuevos juguetes que la sociedad de consumo devorará llevándose todo a su paso.

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Por encima de los protagonistas principales destacan las actuaciones dos extras de lujo: Tom Wilkinson, es el jefe de una de las compañías y el principal titiritero de la historia; mientras que el genial Paul Giamatti se torna en el rival, un bufón histérico, caricatura del capitalista que no cree en nadie.

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En tiempos de crisis económica es muy oportuno este alegato de Gilroy quien prefiere no hacerse hígado y, en base a la careta de una cinta ligera y llena de humor, dejar en claro que los dueños del mundo son más ridículos de lo que nos imaginamos.

 

Por Fernando Vega Jácome


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