Un Tornatore Desconocido

Giuseppe Tornatore - La Desconocida (La Sconosciuta, 2006)

¿Quién es Irena? ¿Quién es aquella mujer que viene de ninguna parte? ¿Qué se esconde en ese pasado de fragmentos inconexos cuya sola remembranza descompone su rostro en una arcada de angustia? ¿Qué hay en esa mirada acechante, cubierta por una máscara de látex o de desconfianza? ¿Qué busca Irena en su aparente sumisión, en el cumplimiento diligente de un empleo miserable, en un seno familiar que nunca será el suyo, en el cabello de una niña que no la conoce?

Es impresionante la cantidad de preguntas capaces de formular veinte minutos de imágenes, al cabo de los cuales  la intriga está plenamente enraizada y las piezas del pasado de nuestra protagonista, a todas luces sórdido y cruel, empiezan a tomar forma. Una forma que en definitiva no queremos ver.

Un pasado atroz del cual será muy difícil desprenderse por completo, al cual nos asomamos apenas iniciada la cinta, merced a tétricas escenas donde un personaje oscuro y siniestro selecciona mujeres con el rostro cubierto, como si se tratara de ganado.

El último trabajo de Tornatore sorprende primero por su inmediatez. Por la cantidad de información e interrogantes sembradas en apenas los momentos iniciales del film, pero manejados con tal prolijidad que no confunde al espectador, sino que lo adentra e el drama de la protagonista, lo hace partícipe de su odisea y lo hace cómplice de los pecados que comete en su búsqueda.

Es asimismo una aproximación al cine de intriga y suspenso inédita en su autor, que lleva a buen puerto este proyecto desde su particular punto de vista. Artesano experto, el director no deja cabo sin atar.

Cada elemento del engranaje ha sido sembrado con premeditada cautela. La escalera interminable y vertiginosa. La niña nacida sin reflejos de supervivencia. La revisión metódica e imperturbable de la basura de otros. No hay piezas sobrantes ni diálogos soltados al aire. Todo tiene su razón de ser.

Curiosamente, es en esta etapa de planificación de los hechos que precipitan el desenlace, magistralmente contenidos, en que la cinta encuentra su fortaleza, ante la que ceden los acontecimientos explícitos de la tercera y última parte de la historia, donde se revelan en detalle todos los misterios relacionados al pasado de Irena, algunos de los cuales tal vez debieron quedar simplemente sugeridos.

Asimismo resultan forzados algunos giros finales del argumento, o tal vez opacados por la brillantez de las primeras escenas. En su afán de cerrar por completo el círculo y contestar a todas y cada una de las cuestiones planteadas, desluce el producto final trasgrediendo la esencia del género de suspenso: dejar al espectador con las ganas de saber más.

Gran parte del éxito de la cinta, que ha cosechado gran número de premios en su Roma natal, se debe al trabajo intachable de sus actores principales. La rusa Xenia Rappoport, de quien quedamos deudores de consultar más piezas de su filmografía, lleva las riendas del drama con absoluta credibilidad, llegando a hacer que las demás interpretaciones, más que correctas en conjunto, resulten deslucidas en comparación a su magistral interpretación del personaje principal. Mujer cuya fortaleza va más allá de la supervivencia. Movida por impulsos que mezclan la venganza, el amor de madre, el anhelo de una vida apacible que probablemente nunca podrá alcanzar.

Mención aparte la música de Ennio Morricone, uno de los pocos compositores cuya sola mención es capaz de atraer espectadores a las salas de cine, impecable en el trasfondo de los hechos narrados, pero que no acaba de encontrar su lugar ni de obtener una personalidad identificable con la obra que acompaña, como sí lo logró en la premiada Cinema Paradiso, imponiendo una de las más hermosas melodías que los cinéfilos estaremos silbando hasta la tumba.

Digna de buscarse y disfrutarse, esta película promete no dejar indiferente al espectador, así como de proporcionar un thriller que no decae en momento alguno, y de cuyo manejo, si bien imperfecto, tienen mucho que aprender los fabricantes de sustos de la maquinaria hollywoodense.

Por Gonzalo del Carpio Bellido

julio 21, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | Deja un Comentario »

Desanimada

Carlos Saldhna y Mike Thurmeier – La Era de Hielo 3: El Amanecer de los Dinosaurios (Ice Age: Dawn of the Dinosaurs) 

La era del hielo 3 es la última aventura de animación de Blue Sky Studios, quienes compiten con Pixar y con Dreamworks en la producción de dibujos animados para Hollywood. Los resultados son conocidos por todos: Pixar ha llegado a consolidar un nombre debido a la calidad de sus producciones, mientras que las otras empresas han marchado bastante bien también si hablamos de resultados taquilleros.

Quizá uno de los productos no Pixar más conocidos es “la era del Hielo”, que narra las aventuras de tres amigos (un mamut, un tigre y un perezoso) en plena era del hielo y del deshielo. Las tres partes de esta franquicia se han mostrado bastante exitosas, lo que lleva a pensar que se vendrá una cuarta o una quinta.

 La era del hielo 3 nos narra la historia de estos tres personajes y el encuentro que tienen con el mundo de los dinosaurios, en el cual vivirán más de una aventura.

 Este texto, que en teoría debería ser una crítica del film, servirá para demostrar algunos puntos interesantes con respecto a la animación. Creemos que resulta pertinente analizar esta cinta en base a lo que ha estado produciendo Pixar, o mejor dicho, a lo que esa casa ha estado creando a partir de su estilo.

Lo que resulta apasionante en Pixar es el hecho que crea mundos propios, que utiliza la animación para generar a partir de ella un lenguaje propio, donde los espacios y las texturas tienen un valor porque sí. Tomemos como ejemplo “Los increíbles”, quizá la mejor cinta del grupo.

En ese film, los espacios eran creados de acuerdo a las necesidades expresivas: recordar, por ejemplo, toda la primera parte, en donde los espacios cuadrados y asfixiantes parecían aprisionar al musculoso y grande Sr. Increíble. Esa cotidianidad que abrumada al personaje estaba construida a partir de la animación, generaba un mundo que utilizaba el lenguaje animado como forma de puesta en escena.

Sin ir muy lejos, “Up” demuestra exactamente lo mismo. Los diez primeros minutos utilizan la animación para mostrarnos la relación entre el viejo protagonista y su mujer, en donde los momentos más coloridos iban acompañados de momentos mucho más obscuros: el trabajo del color que da la animación servía para mostrarnos los momentos, tanto buenos como tristes, de la vida en pareja. Y cuando la aventura comenzaba, la pulsión del descubrimiento estaba construida a partir de unos paisajes digitales en los cuales los personajes se movían, haciendo que la relación con el espacio sea algo primordial para seguir la aventura.

Pues bien, estas ideas sirven para compararlas a lo que nos ofrece La era del hielo 3. Si en los productos Pixar, la puesta en escena se basa en el poder que tiene la animación para generar mundos distintos y en la capacidad que tienen los directores para aprovecharlos, el film plantea al diálogo como base de su propuesta.

Esto no estaría para nada mal, si no fuera porque cada frase que lanzan los personajes se siente como si estuviéramos en una sitcom. No importa tanto el diálogo en sí sino la frase ingeniosa y graciosa, o el chiste puntual, casi señalado, para que el espectador se ría. Esto hace que todo se sienta demasiado verboso y calculado, lo que termina por agotar. Además, el personaje de Sid se convierte en un reto a la paciencia.

Está bien que se quiera tener un personaje que se caracterice por su torpeza o por su falta de inteligencia; el problema cuando se siente que ese personaje ha sido creado solamente para reírse de él, de la forma más condescendiente. Sid no tiene derecho a ser un personaje, sino simplemente un objeto de burla hecho por gente que cree que los niños son subnormales.

Los problemas de “La era del hielo” parten desde su incapacidad para usar el cine de animación como otra cosa que no sea el mero vehículo de sus chistes verbales. Y eso hace que sea una experiencia por momentos agotadora.

Por Rodrigo Bedoya

julio 21, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | Deja un Comentario »

La Historia Hecha al Cálculo

 Alex Proyas – Presagio (Knowing, 2009)

El titulo original del film “Presagio” es “Knowing” el cual alude directamente a su tema central, acerca de un saber superior a nuestros limites. El actor Nicolas Cage interpreta a John Koestler, un catedrático universitario que se ve obligado a resolver un misterio surgido hace 50 años. Lo que se oculta detrás de esto es un secreto de proporciones cósmicas, pues van más alla del tiempo y el espacio.

Las catástrofes ocurridas a lo largo de la historia y la próxima amenaza del fin del mundo han sido plasmadas por una niña pequeña en una hoja de papel en base a series numéricas.

Este escrito que ya cobra un carácter de texto prohibido, llega a manos de Caleb, el pequeño hijo de John, quien desde entonces empieza a sufrir alteraciones en su comportamiento. Los mensajes cifrados son resueltos accidentalmente, y lo que se descubre es una serie numérica bastante sencilla de interpretar, con excepcion de un pequeño detalle el cual luego revelará su significado.

Se trata de una guia catastrófica del mundo de los últimos 50 años hasta nuestros dias, siendo las últimas cifras, casi al pie de página, la referencia a tragedias que están a punto de suceder. Este descubrimiento lleva a John a replantear sus convicciones con respecto a la vida y a su concepción de la realidad, afectada tras la pérdida de su esposa en un terrible accidente de carretera.

Los primeros minutos del film se nos presentan como el preámbulo de una historia de misterio y suspenso, en la linea de las peliculas de temática sobrenatural con niños protagonistas que tanto han sido vistas en esta década. Este aspecto del relato es desarrollado en forma correcta y efectiva por el director Alex Proyas, uno de los más estimados realizadores del cine fantástico norteamericano, siendo los mejores momentos aquellas secuencias de suspenso donde unos misteriosos personajes hacen furtivas apariciones.

El personaje de John Koestler representa la vertiente cientifica de la actualidad; sin embargo, ese carácter suyo cae ante el terror de lo que llega a descubrir, y sobretodo tras la comprobación de su real dimensión. El relato pasa a privilegiar la acción y el suspenso que envuelven todos los actos llevados a cabo para impedir la fatalidad del destino. De inmediato, “Presagio” se convierte en una pelicula de catástrofes, similar a muchas donde alguien advierte del peligro inminente pero nadie hace caso.

Sin embargo, más que a cualquier pelicula de catástrofes clásica, lo que nos recuerda este film es a la vertiente sobrenatural de una pelicula como “Mensajero de la oscuridad (The Mothman prophecies)”, donde, como ocurre aqui, existen entidades ajenas a este mundo que advierten al humano comun y silvestre de una tragedia inminente. Aunque las similitudes son sólo argumentales, pues la dinámica labor de Proyas es mucho más lograda de principio a fin.

Nicolas Cage hace un trabajo adecuado como el cientifico respetado que se vuelve paranoico y envuelto en situaciones inquietantes, como el accidente en la carretera, el impresionante y espectacular momento en el subterráneo, y el primer contacto con unos extraños sujetos, de acción decisiva en el destino de la humanidad.

Su personaje se sostiene adecuadamente a lo largo del film, permitiendo al actor realizar su trabajo en forma aceptable. Tambien tenemos a la actriz Rose Byne, quien no tiene una actuación muy destacada al interpretar a Diana, otra victima del destino, ya que su participación no es más extensa.

Si bien es cierto que el tema tratado en esta pelicula es ambicioso con respecto a las grandes preguntas de la humanidad, tambien lo es el hecho de que no alcanza un mayor nivel debido a la forma discreta en que es desarrollada, es decir, a partir del drama de una familia, un padre y su hijo, quienes llevan el asunto de espaldas al mundo.

El guión encierra la intriga en un número reducido de personajes, aunque a decir verdad, lo hace en forma poco convincente. Es por ello que no existe mayor cuestionamiento al estado del mundo, no hay diversidad de temas ni de escenarios. Los puntos finales se desatan en forma simple y llana, con una ligereza que puede resultar escandalosa. Por ejemplo, John, de los miles de astrónomos en el mundo, es el único capaz de descubrir una tremenda amenaza sobre el planeta.

El gran mérito del film está en la correcta labor de Alex Proyas, quien se encarga de imprimir en sus imágenes un clima de suspenso apreciable y sobretodo una espectacularidad de primer nivel, como se aprecia en los momentos de acción que se desencadenan. Por último, el sentido de lo fantástico esta siempre presente en forma impresionante, incluyendo una connotación celestial admirable.

Un buen momento el cual Proyas con su gran capacidad visual nos presenta acertadamente. Acompaña el desarrollo del film la efectiva musicalización del reconocido compositor Marco Beltrami.

“Presagio” se convierte en un filme eficaz y recomendable gracias a la buena labor de su director, a pesar de contar con un guión el cual, si bien es cierto cuenta con elementos de interés como el tema de las profecias, el factor extraterrestre y sus toques de cine de catástrofes, aún asi resulta limitado y poco ambicioso. La lección de este relato es aceptar con resignación el destino que el universo nos depare.

 A pesar de ello, la apuesta de Proyas por un desarrollo fluido y una buena puesta en escena en su espectacularidad y en su aspecto fantástico, además de contar con un aceptable trabajo de sus actores, permite aprobar este film con toda confianza. Una demostración de la importancia que tienen los buenos realizadores en el cine de hoy en dia, muy capaces de salvarnos al menos de un dia aburrido.

Por Enrique Rodríguez

julio 15, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | 3 Comentarios »

El ABC de UN BLOCKBUSTER

Michael Bay – Transformers: La Venganza de los Caídos (Transformers: Revenge of The Fallen, 2009)

La película más esperada por los multicines del mundo entero era, qué duda cabe, “Transformers 2: La venganza de los caídos”, un filme dirigido por Michael Bay quien logró dejar satisfechos a los productores de la primera parte por su sólido éxito en las boleterías, dejando en éxtasis a millones de adolescentes alrededor del globo.

La expectativa por ver en pantalla a los robots de la serie animada que acompañó a los jóvenes de hace 15 años era enorme, y de ello se desprende la descomunal popularidad que alcanzó la cinta estrenada el 2007 bajo el padrinazgo de Steven Spielberg. Tranformers llegó a recaudar más de 700 millones de dólares en todo el mundo, dejando la puerta, ventana y sótano abiertos para una secuela.

Michael Bay, creador entre otras de “Armageddon” (1998) y “Pearl Harbor” (2001), fue el encargado de ponerse a encabezar el proyecto y logró condensar en 143 minutos todo lo que un espectador promedio de multicine espera: un guión bastante ágil, parlamentos chistosos, efectos especiales a montón y una promoción de actores con el suficiente carisma para quedar en la retina.

Es en este filme que surgen los rostros de los novatos Megan Fox y Shia LaBeaouf, quienes vieron cómo su trampolín a la fama se daba gracias a la batalla entre los Autobots y los Decepticons.

No se precisaba de muchos cambios para proseguir con la fórmula del éxito, muy por el contrario, había que afinar algunos detalles para que la secuela eleve al máximo el éxito ya conseguido.

Y es así como Michael Bay multiplica por tres las escenas de peleas entre los robots diseñados por computadora, así como incrementa las explosiones y ubica la cinta en un clima bélico que tiene a los desiertos egipcios (es decir, amplios campos de batalla) como escenarios perfectos.

Por si fuera poco, la nueva sex symbol de Hollywood, Megan Fox, debía ser aprovechada al máximo y es así como la vemos en ese escaparate inmenso que es la pantalla de cine. Bay nos la ofrece, nos la muestra en todo su esplendor, con ajustados tops, generosos escotes y en posiciones que dejaban atónito a más de uno.

El argumento es quizá  lo que menos importa, lo que menos trabajo le costó a los guionistas y al director. Ya todo estaba perfectamente diseñado para encandilar a las plateas en lo que el crítico Roberto Alcover Oti (Miradas de Cine) ha catalogado de forma perfecta como “pura pornografía del metal”.

La idea era revivir al villano Megatrón, incluir a otro mucho más poderoso (El Caído), continuar con la idea de que Sam Witwicky (LaBeaouf) era una especie de elegido, el escote de Megan Fox y mucho más metraje para que los efectos especiales hagan las delicias de los espectadores.

Confieso que la primera parte cumplió su cometido en mí, es decir, sabía a lo que iba: entretenerme, pasar el rato y no pedir más. Esta segunda parte es absolutamente intragable y se me presenta como una orgía de efectos especiales sin ton ni son. Casi tres horas de peleas en las que no se puede distinguir quien es quien, resurrecciones por doquier y chistes de mal gusto con connotaciones sexuales típicas del imaginario gringo. Demasiado. Hasta Megan Fox empalaga, algo que jamás me hubiera imaginado.

Por Fernando Vega Jácome

julio 15, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | 2 Comentarios »

Compra Grupo 5

 Enrique Chimoy – Motor y Motivo, 2009

Ya no quedan muchas salas. Sin embargo, en su primer día superó las ventas de La teta asustada. Son cuestiones de marketing. El leit motiv de la ficción podría ser “el Grupo 5 no se vende”. No obstante, luego de verla, lo que verdaderamente queda claro es que el Grupo 5 sí se vende, y muy bien, lo que por cierto —vale decirlo— no tiene nada de malo.

A continuación, motores y motivos para bailar sin pagar entrada.

Motor

Hartas ganas de gustar. Que van desde la inclusión de canciones, hasta alejar el film de la reconstrucción de las vidas de sus integrantes. Más bien la apuesta corre por el lado de la emoción, de la expectativa: el Grupo 5 dentro de una ficción chillona, con narcos que los persiguen, solamente por la necedad de comprar la banda. Para lavar dinero. Pero, claro, el Grupo 5 no se vende

Ése es uno de los ejes, o motores. Otro lo constituye la figura del hijo pródigo, el miembro que se distanció en el pasado y ahora vuelve por necesidad (sus malas finanzas lo apremian). Y cada conflicto se encuentra relacionado con un miembro de la banda, después de todo se trata de los protagonistas. El cachetón anda perdidamente enamorado, pero después se desenamorará. El gilero asimismo encontrará lo suyo, con la periodista que cubre la gira, gira sobre la que corre todo el film. No a manera de road movie —aunque sí se mueven en el bus oficial de la banda, de hecho el bus algún protagonismo posee—, sino cada parada se asocia a un concierto, un concierto o canción a una historia, los personajes cantan sus sentimientos como en un musical.

Entonces, poco a poco, entre tonada y baile, los protagonistas se van acercando al concierto en su ciudad natal, donde además los condecorarán ciudadanos ilustres. Y conforme se aproximan los conflictos se solucionan de manera expeditiva. Demasiado expeditiva, pero eso a nadie importa, porque la música sonó y hubo tiempo de corearla y de observar a sus interpretes actuar.

Motivo

El propio Grupo 5, los héroes de la noche. No ceden ante las presiones, resuelven sus problemas sin ayuda de la policía, merecen lo que han alcanzado por la nobleza de sus sentimientos. Después de a la cerveza Cristal, el tributo se encuentra dirigido a ellos —y luego a la retahíla de demás auspiciadores, cuyos logos deben ser mostrados. No es para menos. La película lleva su nombre y trata sobre su fama. La preocupación porque aparezcan fans en casi toda escena en exteriores así lo demuestra.

Si por un lado tenemos ganas de gustar y por el otro la idealización de la banda, nos hallamos frente a la película del Grupo 5, que se encuentra lejos de la típica película biográfica sobre una banda y mucho más cerca, en cambio, del Blockbuster oportunista, que no obstante aporta una manera diferente de aproximarse a una banda, un modo más marketero.

Y al mismo tiempo alternativo, y exitoso, mezcla atípica de realidad y ficción. No como falso documental ni nada por el estilo. El recorrido de la banda aderezado con ficción, como las pequeñas mentiras que enriquecen el relato de un hecho cualquiera. Al punto que su excusa facilista se traga sin problemas. Los fenómenos comerciales son difíciles de entender. Nada más misterioso que lo que le gusta a la gente. Pero en fin: a bailar cumbia.

Las cosas cambian. La masiva popularidad del Grupo 5 constituye una prueba. Habrá que exprimir bien a la gallina de los huevos de oro. Y rastrear como encontró el camino al trono.

Por Eugenio Vidal

julio 7, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | 1 comentario

Mundos Animados

Pete Docter y Bob Peterson – Una Aventura de Altura (Up, 2009)

La películas que ha ido diseñando la casa productora Pixar son de lo más interesante que se produce en el campo de la animación. Sus trabajos suelen adentrarse de lleno en la aventura, sin caer en la ñoñería o en el sentimentalismo de buena parte del cine de animación contemporáneo.

“Los increíbles” o “Ratatouille” son claros ejemplos de cómo hacer cine para niños, pero sin subvalorar al espectador. Tal es el caso de “Up, una aventura de altura”, una nueva muestra de la capacidad que tiene el estudio para entregar buenos productos.

Los primeros 15 minutos del film son notable: es el recuento de la relación entre el viejo y su esposa, desde que eran niños hasta que él hombre se queda viudo. Con velocidad y precisión, Peter Docter nos da cuenta de la relación entre ambos personajes a partir de pequeñas momentos basados en la cotidianidad.

A partir de la mera animación, y creando un mundo propio (las particularidades de los rostros, las texturas de los objetos, de los ambientes, de los lugares), se consiguen transmitir sentimientos muy humanos, muy reales. Quizá ese sea el principal mérito de la fábrica Pixar: el de generar mundos propios, a partir de las texturas que da el cine de animación, pero que van generando sensaciones cercanas e intensas.

Y acá no estamos hablando tanto de las historias (evidentemente una rata que habla o una familia de superhéroes, al igual que una casa voladora, son cosas netamente fantásticas), sino como, a partir de la puesta en escena que sabe aprovechar la imagen que da el cine de animación, se van contando estas historias, creando mundos distintos y apasionantes, muchos de los cuales contrastan lo cotidiano con lo fantástico, o, mejor dicho, como lo cotidiano busca aplacar lo fantástico, como la normalidad es algo frente a los cuales los personajes buscan huir de cualquier manera.

“Ratatouille” o “Wall-E” son ejemplos perfectos de personajes que buscan salir de un letargo que produce la normalidad del mundo en el que encuentran que se ve reflejado a partir de una puesta en escena que va generando cierta sensación de encierro a partir del recurso animado.

Este punto es importante cuando los personajes llegan a la jungla sudamericana. Ahí Docter le da un ritmo distinto al film, sabiendo crear expectativa ante el nuevo mundo al que llegan. Los planos más largos y el juego con los silencios son los que van permitiendo que se genere cierta curiosidad por el saber en que lugar se encuentran los personajes.

La noción de la aventura es algo que el director consigue manejar muy bien en esa parte del film. Y en esa noción de la aventura se manejan muy bien tanto el pájaro como el perro que habla, personajes que acompañarán a los protagonistas.

Ambos aparecen de la nada, totalmente integrados al espacio en el cual se mueven los personajes. Lo fantástico aparece como si fuera la cosa más normal del mundo, permitiendo justamente aumentar la expectativa que se genera en ese ambiente.

Cuando la película se lanza a una historia más convencional, con buenos y malos, pierde un poco de ese interés que había generado. La aparición del villano le quita la fuerza y la pulsión a partir de lo desconocido para adentrarse a tópicos más recorridos, donde no importa tanto ese ambiente que se había creado sino la acción y la narración sin pausa.

En las mejores películas de Pixar, (“Ratatouille”, “los increíbles”, “Toy Story”, “Wall-E”), lo que importaba era justamente la creación de espacios que iban prefigurando un ambiente.. recordar la manera en la cual todo parecía uniforme y enajenado en “Los increíbles” y como contrastaba con el ambiente mucho más libre en su segunda parte, más derivada a la acción.

Lo mismo se puede decir del ritmo que imponía “Wall-E” o de la cotidianidad hasta aburrida que se iba rompiendo en “Toy Story”. En “Up”, se deja un poco eso de lado para dar paso a la acción, lo que hace que su segunda parte sea menos satisfactoria que la anterior.

 Si bien no es el mejor producto proveniente de la factoría Pixar, en sus mejores momentos “Up” consigue trasmitir ese contraste entre lo cotidiano y fantástico, algo que es una de las claves de la factoría. Esperemos que en el futuro el nivel de estos films no decaiga.

Por Rodrigo Bedoya

julio 1, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | 1 comentario

Multinacionales dirigidas por Sujetos graciosos

Tony Gilroy – Duplicidad (Duplicity, 2008)

“Duplicidad” es la segunda película del director Tony Gilroy  -el mismo que sorprendió con su debut detrás de las cámaras con la aclamada “Michael Clayton” (2007)-  quien desarrolla un entretenido ejercicio de denuncia contra las grandes corporaciones manejadas, en muchos casos, por tipos de doble moral, cínicos y torpes.

Gilroy vuelve a mostrarse como un realizador con bastantes recursos al momento de narrar una historia. Jugando con los tiempos, utilizando los giros inesperados con un guión bastante recargado en un inicio, pero que logra ir ganando en emociones conforme avanza el metraje, “Duplicidad” tiene una carga humorística que se torna bastante atractiva.

Desde el inicio mismo de la historia podemos apreciar la forma en la que el director se tomará la cosa: presenta un grupo de personajes amorales, con la careta muy bien puesta. Es graciosa la forma en la que los presidentes de las dos grandes corporaciones rivales se enfrentan en cámara lenta y se enfrascan en una pelea poco menos que ridícula, como si de dos niños engreídos se tratase.

El agente del MI6 Ray (Clive Owen) y la agente de la CIA Claire (Julia Roberts) se conocen de la forma en la que sólo dos espías podrían hacerlo. En un inicio su relación se basa en el odio y la desconfianza, pero poco a poco nos daremos cuenta que los dos desarrollan una historia de amor poco convencional que se funda en el aprovechamiento.

Ambos agentes logran infiltrarse en dos corporaciones rivales con el único objetivo de robar la idea revolucionaria que tiene una de ellas, la misma que es guardada bajo siete llaves.

A partir de aquí, y luego de un inicio denso, somos testigos de la intrincada trama que goza de la suficiente capacidad ideada por el director para ir ganando en emoción, con el virtuosismo de los filmes de intriga de antaño.

A pesar de las críticas negativas que recoge Clive Owen (el nuevo tipo duro de Hollywood), su trabajo es bastante sólido y forma una pareja muy atractiva con Julia Roberts, quien parece ir ganando con los años la clase que sólo las divas pueden conseguir. Verla actuar es un disfrute que no tiene precio, no sólo por su capacidad histriónica sino por la seducción que logra destilar en los instantes precisos.

La buena química es evidente y repiten el plato luego de su participación en Closer (2003) de Mike Nichols. La historia de amor de ambos –cuya base sólida es el engaño- se entrelaza con los golpes bajos y los trucos fuera de la ley que ejercen las grandes compañías para hacerse de las ideas clave que marcan la creación de los nuevos juguetes que la sociedad de consumo devorará llevándose todo a su paso.

Por encima de los protagonistas principales destacan las actuaciones dos extras de lujo: Tom Wilkinson, es el jefe de una de las compañías y el principal titiritero de la historia; mientras que el genial Paul Giamatti se torna en el rival, un bufón histérico, caricatura del capitalista que no cree en nadie.

En tiempos de crisis económica es muy oportuno este alegato de Gilroy quien prefiere no hacerse hígado y, en base a la careta de una cinta ligera y llena de humor, dejar en claro que los dueños del mundo son más ridículos de lo que nos imaginamos.

Por Fernando Vega Jácome

julio 1, 2009 | Categories: Cartel Fílmico | Deja un Comentario »