Volver a Ver

 

 

Kalil Joreige  y Joana Hadjintomas – Voy a Ver (Je Veux Voir, 2008)

 

Aunque Kalil Joreige y Joana Hadjintomas llevaran desarrollando una obra multidisciplinar durante diez años en la que cabe cine, video, fotografía, artes plásticas e instalaciones, su anonimato era completo hasta que en el pasado festival de Gijón se les dedicara una retrospectiva, con su libro correspondiente (El blanco de los orígenes: Cuaderno de Textos e imágenes sobre el cine de Joana Hadjithomas y Khalil Joreige. Gonzalo de Lucas (Editor), Festival de Gijón, 2008)  y se concediera el premio a como mejor película de no-ficción a Je veux voir. Su tercer largometraje.

A diferencia del resto de su obra, en el que el punto de partida radica en como aceptar las ruinas y vivir con sus fantasmas, la idea de Je veux voir surge de la experiencia vivida en 2006, cuando tras formar parte del FID de Marsella, no pueden regresar a su país porque acababa de estallar la Segunda Guerra del Líbano. Contemplarla desde las imágenes que ofrecía la televisión francesa supuso una experiencia tan impactante, al comprobar su naturaleza simplista, simplificadora y propagandística, que al finalizar los treinta y tres días que duro el conflicto, volvieron al Líbano con la intención de intentar construir imágenes distintas a las que habían presenciado.

La esencia de su búsqueda giró entorno a preguntas como ¿Qué puede hacer el cine? o ¿Qué puede hacer la ficción en estos momentos? Por esta razón Je veux voir, no es una película sobre un desastre humanitario o sobre sus victimas. Sino sobre las imágenes que recibimos aquí desde otro lugar. Sobre cómo escapar de las imágenes informativas que  registran de igual manera un acontecimiento deportivo que un desastre humanitario. Y sobre todo en como construir nuevas imágenes que tengan identidad propia.

Para esta tarea escogieron a un icono de la cinematografía mundial como Catherine Deneuve por contener sobre su propia imagen una Historia. Que es precisamente lo que le falta al Líbano. A base de ser bombardeado mediaticamente ha perdido su imagen y ha delegado su Historia en la narración de los países que acudieron a informar de lo que allí estaba pasando. La forma de volver a restituirla supone insertar, en ese territorio todavía por narrar por algún Libanés, a una extranjera que contiene todas las posibilidades de Historia para que transmita en el viaje documentado que emprenderá con el actor Libanés Rabih Mroué una narración que posibilite el dar relieve a las ruinas en las en que ha quedado el país tras la citada guerra.

Desde luego que Deneuve no guarda en secreto ninguna capacidad especial para enfrentarse a este acontecimiento. Pero sin embargo posee un deseo, que expresa en voz alta en el momento inicial del metraje con la frase que da titulo a la película. “Quiero ver”. Ese deseo es el que la hace seguir a Rabih tanto por las calles de Beirut, como por lugares alejados de la capital por donde la conducirá. Haciéndola ver. Para que ella haga ver a los directores y para que los directores nos hagan ver a nosotros. Sin buscar una delegación de la mirada. Dándonos la posibilidad de hacerlo junto con ellos.

Estamos acostumbrados a cierto tipo de cine social, donde un director acude a un lugar en conflicto, dibuja un escenario, identifica a los buenos y los malos, construye una fábula moral,  y acaba por lanzarnos el mensaje para concienciarnos de algo sobre lo que solamente podremos estar a favor, porque sino seremos poco menos que unos fascistas.

 

En Je veux voir se rompe con esta idea monolítica de afrontar un problema del presente acudiendo a él con la necesidad en un otro. Los directores, aún siendo originarios del lugar, necesitan de otro que les enseñe a ver de nuevo. Evitan caer en el punto de vista único, y hacen ver a través de la relación con un tercero lo que ni siquiera ellos saben que está ahí. Lo intuyen, sienten su latencia, pero no saben lo que se van a encontrar.

Hay una escena muy hermosa que ejemplifica este sistema. Rabih y Catherine llegan a la aldea donde nació el primero. Los dos deambulan por la zona (ni siquiera hay calles). Deneuve no ejerce de embajadora impostando un falso interés. Tampoco se recogen testimonios de la gente que vive allí. Simplemente caminan por el lugar, siendo la imagen de Deneuve algo inmanente a las miradas de las gentes del lugar. Centrada la atención sobre ella, la cámara quedará libre para registrar (sin alterar lo real) las reacciones, expresiones y comportamientos espontáneos e improvisados de las gentes mientras miran.

Si construir ninguna ficción, se nos revela el miedo y la desconfianza ante la figura extraña. Sus sentimientos son recogidos de forma real, gracias a este sistema de lo indirecto.

Lo que se ha construido en esa escena es la misma contingencia de la mirada que servirá para cuestionar, en otras paradas del viaje, lugares del imaginario informativo donde se construyeron las imágenes que vieron millones de personas, a través de la propia imagen. Con imágenes que se cuestionan a si mismas para huir de ese juego de la unilateralidad que ofrece tanto la imagen informativa como el cine social contagiado por la actualidad. (Pienso en películas como Camino a Guantánamo, Los Limoneros).

Como ocurre en la primera parada de su viaje. En un edificio en ruinas utilizado miles de veces por los periodistas como ejemplo de lugar sobre el que se cebaron los ataques enemigos (Israelitas). Allí, con una serie zooms y cortes en la continuidad debidos a que un supuesto soldado (al que oímos en fuera de campo) trata de impedir filmar al equipo de rodaje, se cuestiona esa imagen del imaginario colectivo a través del propio lenguaje cinematográfico.

Nos hacen ver de una manera nueva lo que vimos en los informativos durante gran parte de los treinta y tres días que duró la guerra. Como posteriormente sabremos, ese edificio no recibió ninguna bala y su estado ruinoso solo correspondía al paso del tiempo y a la dejadez de sus propietarios

 

Por último cabe destacar que en el año 2008 se estrenaba Vals con Bashir (Ari Folman), primer documental animado en el que un soldado trataba de recobrar la memoria de lo que había pasado en la Primera Guerra del Líbano de 1982 a través de sus compañeros en el ejército. Si sorprende que las dos películas acudan a el Líbano y que además recurran a la otroreidad para tratar de hacernos ver lo que permanece latente, aún lo es más su impulso de crear nuevas imágenes con las que acercarse a un estado de excepción, huyendo de mejorar lo real con su representación, para intentar  crear una contingencia en la que sea posible una relación entre espectador e imagen de forma sincera, donde no haya cabida para la propaganda, la obligación de tomar posición ni un juicio por acusación.

 

 Por Ricardo Adalia Martín

La Infancia Suspendida

 

Andrei  Zvyagintzev – El Regreso (Возвращение, 2003)

 

El regreso, la primera película del director ruso Andrei Zvyagintsev, fue lanzada en el 2003, y se hizo acreedora del León de Oro del Festival de Venecia. Hecha con un presupuesto mínimo, fue sin embargo un éxito relativo, y fue reconocida por los críticos alrededor del mundo. Su trama es sencilla: dos niños ven regresar a su padre tras una inexplicada ausencia de doce años, y consienten con que él, también sin excusa, se los lleve de paseo a una isla lejana. ¿Por qué vuelve? ¿Adónde los lleva? ¿De qué se trata, al fin, el filme? Como toda gran obra, El regreso no se presta para interpretaciones únicas. En su ambigüedad residen su belleza y su poder.

La película empieza suspendida en el tiempo y el espacio. Una imagen de agua en movimiento, un paseo bajo el agua sobre una barca hundida. Niños nadando. Imágenes que parecen del fin del mundo: una playa larga y rocosa, un faro al final. El espacio está vacío y la pantalla se llena únicamente con imágenes de fluidez, vaivén del agua. Un niño que se niega a saltar de una torre abandonada, teme, se queda allí cuando ya todos los demás se han ido. Su madre llega para ayudarlo, lo consuela. La escena de los títulos: se nos introduce a los dos hermanos, que corren desde la nada y hacia nada. Están perfectamente suspendidos en el tiempo y en el espacio, y ese de este punto que parte toda la película. Precisamente, es la suspensión el mayor valor de El regreso, lo cual detallaré más adelante.

 

Ambos niños están en la irresolución con respecto a su vida, no hay respuestas para muchas preguntas que apenas se atreven a formularse. Su madre está apenas conectada con ellos, aunque los ama y los cuida; está convencida de que necesitan un padre, con suerte aquel que los dejó desde un principio. Hasta entonces, hay que recordar, solo había sido una postal envejecida guardada en el ático, un vestigio de una época recordada a medias por los hermanos. El menor, Iván, se aferra más a esta memoria, la conserva como un tesoro y una esperanza, y siente que toda su inseguridad (no querer saltar es solo un síntoma más) se vería aniquilada por el padre mítico que ha construido con su hermano.

Cuando aparece el hombre real, lo hace de forma misteriosa, en una escena bellísima que como muchos han señalado, se inspira en el Cristo Muerto de Mantegna, tendido sobre la cama de la que fue su casa, en silencio, dormido. Esta asociación con Cristo no es, por supuesto, accidental, menos aún tomando en consideración que esta vuelta del padre es prácticamente una resurrección, una vuelta de un pasado sumido en la oscuridad absoluta. Los hijos no se atreven a molestarlo. Desde ya el padre se presenta como una figura alusiva y enigmática, fundamentada sobre la inestabilidad y la incertidumbre (el viento hace volar una pluma sobre su cuerpo; la luz lo baña como agua).

Sin embargo, el padre es recibido prácticamente con los brazos abiertos, a pesar de protestas inferidas por parte de la abuela de los niños y uno de los hermanos. Él llega y se sienta en la cabecera de la mesa, es a quien le sirven, quien reparte la comida, quien se arroba derechos por sobre los demás como condición fundamental de ser el padre, aunque haya en teoría renunciado a esa posición. Su denominación y su condición biológica, y sobre todo la ausencia real de cualquier figura que pudiera cuestionarlo realmente, hacen que sus actitudes sean permitidas y toleradas, vistas como naturales.

Incluso, deseables por los niños impresionados, que necesitan de una figura fuerte como él y que han siempre anhelado su regreso. Que el hombre material no sea tan avasallador ni benigno como se habían figurado el del recuerdo no importa, porque ha venido, ha impuesto su orden, ha repartido la comida él. A través de sus manos, ellos reciben la comida, aunque él no la ha ganado, no ha aportado nada a la casa en la que se celebra este banquete por el regreso. Se queda en la casa sin que sepan por qué.

Los niños están felices cuando se les propone hacer un viaje con su padre. Su casa es pobre, aunque estable, situada en medio de un paisaje en ruinas. La localidad se pinta como un sitio olvidado por el tiempo, un vestigio de la Rusia soviética en medio de la nada, olvidada por el tiempo. Así que salir de ello, romper con la monotonía de los paisajes internos y externos, se hace muy atrayente para ambos niños.

Aunque Iván lo hace con reservas, no está dispuesto a entregarse al padre que ha regresado, duda. Quiere viajar, claro, y lleva su cámara para capturar momentos al azar de paisajes que nunca ha tenido la oportunidad de conocer. Pero duda de su padre, cuestiona su realidad, sobre todo porque no se parece mucho a la idea que se había forjado de él, en muchos aspectos.

El viaje da inicio, y será un poco accidentado. Una serie de “ritos de pasaje” aparecerán en medio del camino para ambos chicos, que serán abandonados a su suerte en estas pruebas por su padre, quien ve desde lejos, desde la distancia de su anonimato y sus propósitos indefinidos. Aquí es cuando el relato se convierte en una especie de fábula, relato intemporal que apela a todos y a ninguno, en su generalidad.

 Todos hemos sido padres así, hijos así, o nos hemos sentido así. Por ello las interpretaciones sobre el padre son varias: hay quienes ven en él el fantasma del comunismo, una figura del patriarcado ruso, y en las mujeres y los niños la nueva Rusia, la nueva generación que ve sin reconocer las ruinas de su pasado desastroso. A través de las carreteras solitarias y los lagos interminables, los niños crecen poco a poco enfrentados con pruebas que estar junto a su padre les impone.

 En una escena muy tensa, el automóvil en que viajan se atasca en el lodo, y entre los tres hombres deben sacarlo. El hijo mayor se entrega con presteza a las direcciones de su padre, pero el menor, Iván, que ha resentido todo el tiempo éste regreso imprevisto, desobedece, no cumple. Así que es castigado, se le deja al lado de la carretera en medio de la lluvia, pues manifiesta que no quiere continuar el viaje así. Aquí, la infancia entra definitivamente en un limbo. Es decir, Iván no quiere y no puede dejar de ser un niño; le falta mucho para madurar, no es valiente, no es fuerte.

Desea hacerlo para complacer a un padre que no merece realmente que lo complazcan. Queda suspendido entre dos posibilidades: abandonar al padre y todo su recuerdo (lo único estable en su vida, aunque paradójicamente sea un recuerdo difuso y una serie de sueños), sumergirse en la orfandad, o entregarse a una masculinidad incierta, forzosa y dudosamente fundamentada en el padre misterioso. Por ello le incomoda la rapidez con la que su hermano mayor toma su decisión, porque no puede creer que a alguien se le haga tan fácil.

 

Esta suspensión del tiempo, de la edad mental, y de los deseos de los personajes se representa en todas las formas cinematográficas. A través del relato, sí, pero también a través de la composición de las escenas y la edición. El encuadre tiende al vacío, tiende a la rarefacción del espacio, a empujar fuera de sí todo elemento aparte de los personajes. El paisaje desocupado y en movimiento refleja la cuerda floja sobre la que caminan la trama y los personajes, como una inseguridad sobre hacia dónde avanzar (no hay a qué aferrarse).

Aquí, como las imágenes-tiempo de Gilles Deleuze, las imágenes dejan de estar solo en el presente. Tienen una densidad temporal, un pasado detrás de ellas y un futuro también. Pero aquí el presente está en ese estado de suspensión al que me he referido antes, y es a la vez una imposibilidad y una amalgama de posibilidades, de opciones, de sensaciones intemporales. Es decir, Iván sigue esperando a su padre estando a su lado; los hermanos siguen estando solos cuando acampan con el hombre; Iván se sienta a llorar esperando que el padre llegue cuando el padre lo ha dejado junto al puente. Es darse cuenta de la barrera con la que ha topado, la necesidad de decisión, lo que le derrota y diluye su interior.

 

Más aún, como habla Deleuze, precisamente, se viaja en el tiempo pero no en el espacio, aunque sea un viaje por la carretera. El viaje es volver a vivir los doce años de ausencia más que dirigirse a un espacio físico determinado (de hecho, a nadie le importa adónde los lleva). La percepción de Iván se vuelve una y otra vez sobre su padre, expandiendo su memoria y sus deseos, sus sueños y sus frustraciones, de modo que el avance en el camino no lleva a ninguna parte más allá de lo que Iván permite. Es como si cerrara los ojos al mundo por un momento para entrar a su mundo interior. De hecho, el director introduce otro elemento que funciona como enigma, como agujero negro, como abismo separador entre la infancia y el futuro incierto de los niños: la caja misteriosa que encontrará el padre en la etapa final del viaje.

Es una promesa de explicación, una expectativa de respuesta que no se verá cumplida en su totalidad. Es una no-respuesta que actúa como respuesta; al menos, rellena el espacio y facilita el salto de Iván hacia una decisión. Una decisión sorpresiva, claro, un final cataclísmico en el cual la infancia hasta ahora suspendida habrá de hacer su salto definitivo hacia una decisión, la que sea. Iván se fortalece a través de lo que debería destruirlo. No hay necesidad de describir las escenas finales, que además simplificarían demasiado la trama y banalizarían esta sensación de vivencia en el tiempo y neutralizarían la fluidez del filme. Tras el final, todo queda devastado adentro y afuera.

 

Fragmentos del viaje, representados por las fotografías que ha tomado Iván (por otra parte bellísimas imágenes finales), son el puente a través del cual se neutraliza el abismo, se salta definitivamente desde el pasado y se hace el viaje final, desde ser un niño hasta ser un adulto. Uno muy diferente del que querían el padre, la madre, el otro hermano. Uno propio y único a Iván. Zvyagintsev ha descrito el filme como el viaje del alma desde la Madre hasta el Padre. Esto es, desde un estado primario, pasivo, indeciso, a uno estable, firme, activo, o al menos, así interpreto yo estas palabras y el viaje de Iván a través de sí mismo.

Hay que ver, experimentar El regreso, porque su propuesta es ser una experiencia individual para cada espectador. Vista “desde afuera”, revelará inconsistencias de trama, debilidades de personajes, errores de producción, demás cosas que enturbian la pureza del filme. Experimentada desde adentro, es un viaje; no a través de la hora y media de filme, sino a través del interior de los personajes, bajo el agua misma de nosotros también. Explora en lugares de nuestra mente que solo el cine puede alcanzar en esta forma.

 

 Por Fernando Chaves Espinach  

A Cuchillazos Aprendimos

 

Abel Ferrara - El Asesino del Taladro (The Driller Killer, 1979) 

 

The driller killer (1979) es un slasher film. Observa la transformación de su protagonista en un monstruo asesino, uno que debe emplear algún tipo de arma punzo-cortante. Pues estos dos aspectos constituyen los rasgos fundamentales del género: la  mutación psicopática y el cuchillo. En The driller killer, un pintor enloquece y comienza a matar vagabundos con un taladro.

Abel Ferrara, el director, también es Reno, el pintor asesino. Uno a uno, cada suceso o símbolo nuevo lo volverá un poco más loco, hasta que eventualmente se precipite en su vorágine homicida, que a la postre es lo que esperamos ver. Así son los géneros: predecibles, pero justamente en esas convenciones reside la gracia, como decir “veamos quién lo puede hacer mejor”.

La primera ocurrencia se da en una iglesia, donde un viejo de barba que parecía rezar le agarra de improviso la mano, a lo que Reno sale corriendo, llevándose a su novia, Carol, que se halla a la entrada. Luego en un taxi niega conocerlo, a pesar de que el tipo tenía un papel con su nombre y teléfono. Reno cree que se trata de su padre perdido, pero le grita a Carol que simplemente era un vagabundo.

Apenas empezado el film, un acto de paranoia desconcierta. Pero será únicamente el primero. Poco a poco, las fantasías homicidas de Reno comenzarán a tomar forma y a absorberlo por completo. A la mañana siguiente, Pamela, la otra chica que vive con ellos, intenta hacer un agujero en la pared con un taladro. Pero como la chica es una yonqui que siempre parece encontrarse pasada, Reno lo hace por ella. Y más tarde, soñará con el poder del taladro y con un misterioso hombre de barba.

Por otro lado, Reno se queja de los vagabundos que viven alrededor de su edificio. No los soporta. Además, las deudas lo agobian. Debe terminar un cuadro que lo obsesiona, porque mientras no lo haga no tendrá dinero. Le pide un adelanto a Dalton, un gay dueño de una galería de arte, pero éste se lo niega, arguyendo que ya le ha prestado bastante dinero. Ya en este punto, Reno vive en constante desesperación, y tres variables dan vueltas en su cabeza: taladro, vagabundos y sangre.

Al día siguiente, Tony Coca-Cola y los Roosters, una banda de punk-rock de amigos de Pamela, se mudan al edificio de Reno. Entonces, aparece una nueva obsesión que no deja descansar a Reno: la bulla que éstos hacen con sus ensayos. Y sin dinero, no puede salir de casa. De manera que Carol, Pamela y Reno se la pasan viendo televisión y un comercial llama particularmente la atención de este último: promocionan un cinturón de baterías, que convierte en portátil cualquier aparato eléctrico, como por ejemplo un taladro.

Más tarde, a las dos de la madrugada, Reno trata de pintar, pero no logra concentrarse por el ruido de la banda. Entonces llega el primer colapso: se imagina a sí mismo cubierto de sangre, una imagen que lo perseguirá constantemente. Decide salir para despejarse y encuentra un vagabundo y se le acerca. Pareciera que va a hacer algo, pero no. Una pandilla pasa a su lado y el laberinto lo disuade. Simplemente se jura a sí mismo nunca ser como ese vagabundo ni como su padre.

El guión va, pues, sembrando momentos o símbolos de su tránsito a la locura. Se conjeturan relaciones entre el padre de Reno y el odio de éste hacia los vagabundos. Además, elementos como el cinturón de baterías o el propio taladro aparecen como casualidades con mucho sentido. Sin embargo, el ansía asesina en Reno aún no queda del todo patente, no pasa de un flash en el que se ve cubierto de sangre, pero que rechaza. Hasta ahora.

Porque su cólera, desesperación o locura resulta obvia cuando acuchilla el conejo que su casero le regala. En lugar de cocinarlo, lo acribilla. Porque su siguiente movimiento será comprar el cinturón de baterías, encontrar un vagabundo y taladrarle el pecho. Ahora sí, Reno es completamente el asesino del taladro. Pero debe matar más, el género así lo exige. El siguiente paso será la carnicería. Lo que importa es ver qué tal queda.

Esa misma noche, Carol, Pamela y Reno van a un concierto de The Roosters. Ahí Carol le reclama a Reno que ya no es el mismo. Le dice que antes, por ejemplo, disfrutaba los conciertos. Su relación se está desmoronando: un buen motivo para matar.

Reno regresa a su apartamento, recoge el cinturón y el taladro y comienza a taladrar vagabundos a diestra y siniestra por las calles. Empieza con uno que duerme en el suelo, luego otro en la estación del metro, de ahí uno más que bebía en la calle.

Llega a una parada de bus donde hay un loco que molesta a dos personas que esperan. Una vez que éstas se van, taladra al loco por la espalda. Después ataca a otro vagabundo que duerme en el suelo, y finalmente, el último ya, cierra con una genial perforación en la frente en primer plano.

La película no acaba ahí. Hay otros conflictos argumentales y otras buenas muertes. Sin embargo, nadie pretende contar el final y, sobre todo, en este punto se cumplen con los requerimientos del género slasher: ya asistimos a la transformación del hombre en monstruo, ya apreciamos el poder de su arma. Hora de darnos por satisfechos.

 

Por Eugenio Vidal 

No Eres Bienvenido

 

Neil Blomkamp – Sector 9 (District 9, 2009)

 

Secuelas número seis, siete, ocho. Remakes de películas producidas hace menos de veinte años. Cualquier saga literaria de éxito mediático. Está más que comprobado que Hollywood se ha quedado sin imaginación hace por lo menos una década. Las fórmulas se han agotado y, aparte de los penosos ejemplos mencionados, el negocio del cine ha tenido que recurrir a maneras más o menos creativas de llevar espectadores a los multicines.

La película en cuestión emplea dos de estas artimañas, que hemos visto en abundancia en numerosas producciones durante los últimos años. Una de ellas es el empleo de técnicas de filmación poco convencionales. En un inicio debido a los escuetos presupuestos de producción (no en este caso, en que las secuencias de acción y los impecable efectos generados por computador hablan por sí solos), el efecto “cámara en mano” ha pasado de ser una alternativa de ahorro a una hábil manera de otorgar al producto un aire documental que, bien empleado, compromete al espectador en la historia narrada y envuelve los hechos más fantasiosos con un aire de crudeza y verosimilitud.

En segundo lugar tenemos el truco de la perspectiva inusual. No es la primera vez que los malos seamos nosotros en esta invasión alienígena. Esta vez, el relato y sus alegatos hacia el racismo deberán señalar al espectador, acostumbrado a aliens y terminators, en busca de generar impresiones inusuales en una película de ciencia ficción. Sin embargo, hasta aquí llegan los lugares comunes. El trabajo que se construye a partir de estos manidos recursos es algo completamente innovador.

En depresivas e hiperrealistas tomas iniciales, vemos a los alienígenas, seres sin otro pecado que ser diferentes a la mayoría dominante, arriconados en un sector insalubre por un gobierno que no sabe qué hacer con ellos. Es interesante cómo, al menos para quien escribe, el aspecto de estos seres, similares a insectos sucios y enormes, aunado a su perturbadora manera de desplazarse y su chasqueante idioma, no genera tanta repulsión como las condiciones en que son obligados a vivir.

Se describen con morboso detalle, mediante la oportuna simulación de un informe peridístico, el hacinamiento en viviendas ruinosas y pestilentes, los alimentos descompuestos (básicamente, comida para gato y carne de dudosa procedencia), la nula presencia de servicios básicos, y la convivencia con delincuentes y traficantes de armas (seres “humanos” ellos, que quede en claro quiénes son las víctimas). La similitud de estas condiciones con las que comparten día a día miles de personas en la vida real no hace sino estremecer la conciencia de cualquiera que quiera ver en estas imágenes algo más que una entretenida historia de ciencia ficción.

- “Se gasta tanto dinero en tenerlos aquí” – se queja un personaje entrevistado durante estas escenas, como si se tratara de inmigrantes no deseados. No en vano Neill Blomkamp, sudafricano de nacimiento, ha sido testigo del apartheid y sus inhumanos métodos. Los extraterrestres son llamados “prawns” (langostinos) como bien podrían ser “niggers”, o “mojados”. El odio y la intolerancia son las mismas a nivel interracial o interplanetario.

Son necesarias estas pequeñas lecturas para comprender el poder y subversión de este poderoso film que nos entrega un autor primerizo, a quien la prensa y el público en general no habrían hecho demasiado caso de no mediar el nombre de Peter Jackson, cuyo aporte recae en las criaturas más verídicas que hayan poblado la pantalla desde Gollum y King Kong, hasta estos patéticos seres que revuelven la basura en busca de alimento.

Una visión en extremo superficial, abundante en los detractores del film (seguros devotos del estúpido adagio “no vengo al cine a pensar, sino a divertirme”), pasará por alto la mayoría de asociaciones. Hey, el reportero dinamitando los huevos alienígenas está practicando múltiples e intencionales ABORTOS, mientras comenta “suena como pop corn” a la cámara que lo filma, impasible. Hey, Norteamérica no ayuda a los extraterrestres a regresar a su hogar ni nukea la conflictiva zona y todos los molestos langostinos porque QUIEREN LAS JODIDAS ARMAS capaces de volar una casa, y que por cosas de la tecnología, sólo funcionan en manos de los visitantes.

El burócrata Wilkus van der Merwe, prácticamente el único humano protagonista, encarnado por un tal Sharlto Copley (de quien estaremos pendientes a partir de hoy), pasea su sonrisa estúpida y bienintencionada por el ghetto repartiendo órdenes de desalojo a los iracundos y desnutridos refugiados, y es la imagen de las organizaciones mundiales que pretenden comprender y apoyar a las comunidades oprimidas, cuando no son más que títeres bajo el mando de las superpotencias.

 Este personaje, sin embargo (y ya quisiéramos que le sucediera lo mismo a tanto pelotudo bienintencionado que les regala iPods a niños que no tienen para comer, por mencionar un ejemplo) sufre un percance que no revelaré a quienes no han visto la cinta, pero que lo pondrá en la piel de la minoría, única manera en que podrá vivir y entender su enorme sufrimiento.

Mencionaré como colofón el importante logro de la cinta y de su director de hacernos sentir empatía por seres tan poco agraciados, efecto plenamente conseguido que si no al momento de mostrarnos aquellos ojos de una profundidad y angustia inéditos en una criatura fabricada por computadora, lo será en la presencia de aquel pequeño alienígena a mitad de la proyección, un niño apenas, de cuya suerte me preocupé seriamente hasta el final. ¿Algún otro director ha logrado esto en lo que va del año? Sigo esperando.

Por Gonzalo del Carpio Bellido

Unas Hermanas Poco Comunes

 

 

Charles y Thomas Guard – La Maldición de las Dos Hermanas (The Uninvited, 2009)

 

En nuestra “tan apreciada” cartelera local tenemos en diversas ocasiones, opciones para ver una película y pasar un momento agradable en el cine. Ir a estos lugares son para desestresarse y salir de la monotonía que uno vive cada semana. Podemos escoger géneros como acción, comedia, dibujos animados, drama y hasta el terror que se ha ido convirtiendo en un género altamente lucrativo que da rigurosos dividendos de cuando en cuando.

He empezado comentando lo primero porque hay veces que vemos el listín cinematográfico y vemos tantas películas que no sabemos cual ver o entramos a cualquiera que se aproxime a la hora en la cual hemos llegado al cine. Hay veces que sucede esto y salimos satisfechos sin saber siquiera de que se trataba dicho film, y uno lo ve porque si, nada más,  como puede ser totalmente lo contrario.

Lamentablemente, en este rubro está incluida un remake más que hace Hollywood sobre una película asiática, esta vez fue el turno de “La maldición de las hermanas”.

Debo decir que no he visto la película original que aquí se llamo “Dos hermanas” hecha en el 2003 pero estrenada no hace mucho en nuestro país, pero la trama no debe diferir mucha de esta. La historia se inicia con los sueños extraños de Anna (Emily Browning), sobre la accidental muerte de su madre que estaba enferma en la casa y que a partir de ese suceso empieza a imaginar cosas como fantasmas, etc. Ella se encuentra en una clínica mental y su doctor le dice que vaya a su hogar y que es hora que reinicie su vida.

Pero no cuenta con la relación que ha empezado su padre (David Strathairn) con Rachel, la ex enfermera de su esposa (Elizabeth Banks). Pero en la casa tiene el apoyo de su hermana Alex (Arielle Kebbel), y entre las dos tratarán de convencer a su padre que Rachel fue la causante de la muerte su madre y estarán dispuestas a todo con tal de probarlo.

A mi parecer, un título como “La maldición de las hermanas”, para alguien que no ha visto el original, como es mi caso, jala bastante la idea de ir a verla, ya que uno se puede imaginar otras cosas con solo con leer el nombre de la película. Bueno, eso que me imaginaba nunca ocurre, o al menos en un 10 a 20%, ya que trata más el desenvolvimiento de la familia luego del accidente, sin nada raro aparente hasta que las hermanas indagan un poco más la procedencia del nuevo amor del padre, que este es sin duda la trama del film, ya que a través de este motivo se desarrolla el mismo.

Esta película, que es dirigida por los hermanos Charles and Thomas Guard, que están a kilómetros de otros como los Coen o Farrelly, trataron de venderla como un film de terror sin llegar a ese grado, ya que más se le puede considerar como un suspenso con toque dramático.

Ellos quisieron remarcar mas la parte psicológica y emocional, y no irse por el lado facilista que es el de llegar al asesinato o algún crimen para poner la sangre, y que a partir de eso empiece a girar la película o como en este caso, hacer ver a la enfermera como la culpable de la explosión y muerte de la madre.

Lamentablemente, no llegan ni a lo uno ni lo otro, porque la construcción de los personajes no está bien lograda. Si bien vemos el rol que juega cada uno dentro de la película y sabemos hacia dónde va, no logra meternos del todo en ella, tanto así que no sentimos lastima ni de las hermanas cuando descubren la verdad o de la misma Rachel, que de por cierto, a pesar de los comentarios que se están haciendo, trata de convencer con miradas, actitudes y palabras que ella esconde algo más de lo que aparenta.

Lástima que los directores no supieron aprovechar lo que ellas les brindaba al haberle exigido un poco más al personaje, pero a pesar de todo cumple con su objetivo que es la intriga y las dudas. El resto está en un par de escalones más abajo, desde David Strathairn, alguna vez nominado al Oscar por cierto, pasando por Emily Browning que no logra explotar al personaje, a pesar que este estuvo recluido en un centro mental, que le pudo dar un plus a la historia, pero este nunca llega y se mantiene en una línea recta durante gran parte de la película. Más convincente se le vio como la niña fantasma del, valga la redundancia  “Barco Fantasma” del 2002.

Lo que me llamó la atención fue ver como se tomo reseñas de películas, y que se notan claramente, como el Sexto Sentido o Pesadilla en Elm Street 3 (Si la han visto, sabrán que momento es). Tendré que ver Dos hermanas para emitir un juicio final, ojala que el resultado sea todo lo opuesto. Gracias Hollywood.

 

Por César Cortez Gutiérrez

Departamento Mortal

 

Ataru Oikawa – Los Fantasmas del Piso 13  (1303-gôshitsu, 2007)

 

En los primeros años de la década, recuerdo haber visto Ringu (1998) de Hideo Nakata, un film por demás estremecedor con tomas bien logradas y escenarios en claroscuros, que más todavía a uno lo hacían sentir un poco de temor aún si no pasaba nada.

Esta película fue el inicio de un ciclo que sigue hasta el día de hoy y que varios títulos le han seguido la posta a ésta, ya que introdujo algo que sería como un cliché para este tipo de películas: las chicas asiáticas de largos cabellos y situaciones sobrenaturales con desenlaces, algunas veces mortales, sin llegar al derramamiento de sangre como sí lo hace el cine de Hollywood.

Si aún algunos al leer esta introducción, se siguen preguntando qué es Ringu, bueno no es otra cosa que la versión original de El aro en la que saltaría a la fama la actriz Naomi Watts.

Pero regresando un poco al cine asiático de horror, luego de Ringu le siguió Ju –on o The Grudge en el 2002, que a mi parecer fue la que sentó, además de Ringu obviamente, las bases del cine de horror asiático en la actualidad. Estas dos películas fueron, y lo siguen siendo, las abanderadas de este subgénero, ya que se han hecho algunas no tan satisfactorias que otras.

Ahora se nos presenta otra “rama” más de este árbol genealógico japonés llamado “Los fantasmas del piso 13”, o Apartment 1303, que no hace más que seguir la formula ya instaurada por sus predecesores, pero como su título lo dice en un escenario diferente. La historia se forma a partir de la muerte de Sayaka, una chica que se muda a un departamento ubicado en una buena zona, supongo de Tokio, con unos amigos.

Pero ella les dice que en dicho lugar se aparece un fantasma que asusta a los que viven allí, aunque en realidad solo asusta a las chicas que entran al departamento 1303, donde, lamentablemente ocurrirá la muerte de Sayaka debido a un encuentro con el fantasma de la vivienda.

Luego de esto entrará en escena su hermana Mariko que se quedará en el departamento para ver las cosas de Sayaka y donde empezará a sentir la presencia tanto de ella como de otras más, para luego enterarse de que ella no fue la primera víctima, sino que han sido varias las chicas que han fallecido en el lugar y todas de la misma manera: arrojándose desde el balcón del departamento.

La película toma muchas influencias para su funcionamiento, claro que la más evidente es la que explicamos líneas atrás y que se mantiene como un código más que marcado. El siguiente es el de la casa que le encuentro similitudes como Poltergeist o por citar algunas películas recientes a Extrañas Apariciones de hace unos meses atrás, claro que ahora se desarrolla todo en un departamento.

Con la primera película la podríamos relacionar por ejemplo con el hecho mismo de que esta poseída por algo, que hasta cierto instante en la película no sabemos que es, claro que también podríamos mencionar a  Ju On, que también juega con las apariciones y sobretodo de mujeres que se arrastran por el piso y el clásico enfoque al rostro del espíritu que acecha el lugar cubierto por los largos cabellos color negro. Y con la segunda, las apariciones de Sayaka hacia Mariko que intenta decirle algo, pero no logra saber que es.

El director Ataru Oikawa intentó darle un matiz distinto a esta corriente de películas de horror japonesa, y el resultado no es nada decepcionante, sino que pudo haber sido mejor si no hubiera seguido con ese patrón, sobretodo en los últimos instantes del film, cuando el espíritu se manifiesta en todo el lugar y empieza a acechar con más fuerza.

Al parecer el terror asiático seguirá vivo por largo tiempo mas, ya que mientras existan temores y miedos en el interior del ser humano este seguirá presente. No descartemos la idea de que Hollywood haga su propia versión del film en un futuro no tan distante y si lo hace esperemos que el resultado ojala sea más que satisfactorio tanto para publico como para la critica que se está cansando de ver remakes tras remakes sin mucho que ofrecer.

 

Por Cesar Cortez Gutiérrez

Buscando Fantasmas

 

 

Wisit Sanatanieng – La Semilla del Mal 2  (Pen Choo Kab Pee, 2006)

 

Al parecer el cine asiático tiene, o está teniendo, un gran foco de admiradores en estos últimos tiempos en el mercado peruano, sobre todo en el género de terror, que es lo que más llega por aquí. Lejano están los tiempos cuando llegaban películas del medio oriente como fue el caso de El Imperio de los sentidos u otros de corte más realista o que llamen más la atención.

Con esto no estoy desprestigiando lo que más adelante les contare, ni tampoco al género del horror, que me fascina en demasía, solo es un hecho que se está dando con bastante frecuencia, lo que en otras épocas hubiera parecido increíble o impensado ver en nuestras salas de cine, ya que el cine americano es el que domina en todas partes, pero al menos en esta parte del globo se puede ver también, al menos un poco de ese “otro cine” que pocos conocen.

Es aquí donde entra, también, el nuevo cine de horror asiático, que nos ha brindado títulos memoriables como Ringu o Ju on, ambas de origen japonés. Ahora es el turno de la cinta tailandesa La Semilla del Mal 2, lo que nos demuestra, que no solo Japón es el rey del género, pero su influencia en el resto es evidente.

Todo se inicia cuando una mujer de condición humilde llamada Nualjan, llega a una posada preguntando por la desaparición de su esposo hace un tiempo. Le dicen que se hospede en el lugar y ella se queda un tiempo luego del largo viaje que emprende. Pero en el lugar empiezan a suceder cosas extrañas que son percibidas por ella, sobretodo apariciones de sombras o fantasmas, que no sabe si es producto de su imaginación o en verdad el lugar esconde más de lo que aparenta.

Es la residencia de Madame Ranjuan, que según la criada y confidente del lugar llamada Erb, ella no sale del lugar por encontrarse sola en el mundo. Nualjan también conoce a Choy, que es una residente del lugar también y que se convertirá en una gran ayuda para Nualjan, que con el tiempo se ganara la amistad una de la otra. Pero al final…

La película tiene en si dos partes bien definidas: casi toda la primera es dedicada a la presentación de los personajes y que es lo que hacen, además de las cosas que hacen, agregando además las apariciones de los fantasmas, pero sin ningún peligro aparente, ya que nunca se manifiestan en la presencia de Nualjan, sino que se ven en el lugar, a excepción de una niña que es la única que puede ver. Esto último puede parecer interesante, pero lo malo es que no hay acción aparente en nada de esto. La otra parte es cuando Nualjan se encuentra con su esposo lo que le dará un giro más que inesperado a la historia, y donde la acción al mismo tiempo aparece.

El director Wisit Sasanatieng, que con esta es su tercera película, pero no la ultima que ha realizado, ya que ha hecho una en el reciente año, toma el tema de las casas embrujadas e intenta darle un matiz diferente, no con el clásico tema de que hay fantasmas y que de repente aparecen y hacen perder la cordura de inmediato, sino que trata de armar una historia en la cual uno se pregunte qué es lo que pasa, a pesar que Erb, nos da mucho que pensar con respecto a su actitud.

Se nota claramente la influencia de películas, que no es nada extraño en estos tiempos donde las ideas, al parecer han dejado de fluir como antes, pero siempre hay una que nos sorprende y nos saca de sitio. Pero esta película no es la excepción a esta regla, y ya de por si el tema de la casa embrujada la hemos visto en Amityville, en temas de posesión de gente, como en Extrañas Apariciones donde se veía fantasmas en el lugar.

 

Pero lo sobrenatural son temas que explota el cine asiático, en comparación de Hollywood cuando exploto al máximo el tema de los asesinos seriales allá por la década de los 80’s. Pero ambos son aceptados como tal, ya que uno se puede encontrar con el miedo de muchas maneras y en diversas situaciones impensadas. 

También podríamos agregar que los niños en estas películas pueden ser, para el protagonista, símbolo de la esperanza y que todo saldrá bien, como tal vez la causa del problema en sí. Ese es un elemento que viene, al menos desde esta nueva generación desde Ringu hasta la actualidad.

Esta es una película que hay que verla con suma cuidado, no tanto por el efecto del miedo, sino que por el público exigente, ya que si uno quiere ver sangre y tripas y fantasmas aterradores, definitivamente esta no va ir dirigida para ellos, pero igual le daría un vistazo, si es que me hago llamar un cinéfilo de verdad.

 

Por César Cortez Gutierrez

Otra Historia Bajo el Mar

 

Eduardo Schuldt – El Delfín, La Historia de un Soñador, 2009

 

Luego de presenciar ya algunos años atrás los films de animación dentro del mar, como “Buscando a Nemo” y “El Espantatiburones”, la nueva empresa peruana Dolphin Films presenta su primer largometraje distribuida por Fox acerca de una nueva aventura marina, donde un delfín (como el logo de la productora) toma el rol principal en el entretenimiento de jóvenes y niños.

 

Luego de presenciar tres films peruanos de animación por parte de Alpamayo, se ha visto la posibilidad de seguir ejecutando más proyectos en este género, donde los niños son el principal publico junto a los padres o mayores que los acompañan. Sin embargo, la calidad de estos films y el tipo de animación deja mucho que pensar, llegando nuevamente a criticar la falta de esfuerzo de estos productos audiovisuales.

Nuevamente se vuelve a mencionar una falta de esfuerzo ante los guiones y los tipos de textos que mencionan los directores de estos films, sin embargo se le aprecia como un producto que “vende” pero que no encanta ni merece un premio.

El Delfín: La historia de un soñador, narra la aventura de un delfín con un nombre muy largo y a su vez poco atractivo (Daniel Alejandro Delfín) que busca cumplir un sueño surfista: encontrar la mejor ola. Aunque el sueño no es muy alentador, este personaje muestra firmeza en encontrar y cumplir su meta, llegando a rechazar todo lo que conoce para arriesgarse y buscar lo que quiere.

La historia en si es interesante y completa, aunque el film no lo presenta de manera compleja ni tampoco muy profunda dejándolo algo flojo y a veces aburrido. Las escenas entretenidas, donde los niños sonríen, son con el compañero del protagonista, Carl, que intenta representar a un personaje humorístico pero que su voz y su estilo de bromas no son muy entretenidos para todo el público. Los niños se divierten pero ya los padres no tienen mucho con que divertirse en esos momentos de la película.

Durante el trayecto, el personaje conocerá muchos amigos y compañeros que lo instruirán al sueño que desea alcanzar, sin embargo también encontrará un enemigo muy especial (casi mágico) que tiene un oculto pasado y que desea eliminar todos los sueños que existen en el mar. Lucius, como se llama el antagonista, presenta un interesante perfil de personaje.

Tan grande es la psicología que posee este personaje que pesa mucho más que el del mismo protagonista. Sin embargo, las pocas apariciones y la falta de explicación de este malévolo pez hacen que la historia se vea lineal sin muchos cambios en el transcurso del film.

Los diversos personajes que aparecen en el film son muy interesantes y también presentan una buena base para ponerlos en muchas más escenas, pero casi el tiempo de duración de  cada uno de ellos es minúsculo, por lo que se llega a la conclusión de que han sido colocados para “rellenar” y aumentar el tiempo del film. Esto indica que ha faltado, de algún modo, un mejor armado de guion y detallar las escenas con sus respectivos personajes.

La música es un punto rescatable y cómodo del film, en ningún momento se convierte en un obstáculo ni tampoco en lo más importante de la película. La música presenta las escenas tal y como son y no hay incomodidad en escucharlas ni indiferencia en el sonido junto a la escena en la que están tratando los personajes.

A lo que se refiere a animación, se puede mencionar que ha habido una mejora destacable a comparación de los tres anteriores films peruanos que presentó Alpamayo  en el pasado.

No se podrá comparar con las animaciones de las grandes empresas de animación, pero si se puede mencionar que ha faltado un previo estudio al movimiento de los animales antes de animarlos. La falta de ese conocimiento es tan notable que hace recordar una de las principales frases de la animación: “animación no es mover dibujos, sino es darle vida a estos”.

Queda claro que el film es interesante y entretenido para el público infantil, pero hay que tener en cuenta que los niños también desean calidad y mejor trabajo en lo que ven, pues también exigen un buen producto.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo

Armageddon Culinario

 

Phil Lord y Chris Miller – Lluvia de Hamburguesas (Cloudy With a Chance of MeatBalls, 2009)

 

Lluvia de hamburguesas, un film novedoso y muy entretenido llama la atención a muchos espectadores y hasta dudan de verlo por no conocer mucho la historia que hay dentro de éste. La creatividad de movimientos y el diseño de los personajes recuerdan mucho a las animaciones clásicas modernas junto a un sencillo, pero muy creativo, escenario en donde ocurren las más delirantes catástrofes junto a un personaje marginal que sigue su sueño, aunque muy difícil de cumplir.

 

Este film, basado del cuento de Judi Barrett con el mismo nombre, trata literalmente de la vida de Flint, un científico que ninguno de sus inventos es muy creativo para su comunidad terminando en desastres y reconociéndolo como un peligro para la sociedad. Ante sus antecedentes e inventos fallidos crea una maquina en la cual las moléculas de agua pueden transformarse en comida y así poder salvar al mundo de la hambruna.

Sin embargo, esta máquina queda suspendida en el cielo, tras un problema de potencia eléctrico y hace que la comida llueva cumpliéndose el milagro que el pueblo dejara de alimentarse de sardinas. Desde su laboratorio Flint Loco (como se hacía llamar él) realizaba los pedidos de su comunidad para que lloviese la comida que deseasen. Sin embargo, la historia no es del todo feliz, ya que la maquina se sobrecalentó y lanza los alimentos en un tamaño colosal, ocasionando destrozos y peligros en la ciudad.

Lluvia de hamburguesas se presenta al público como un film de comedia criticando y hasta ridiculizando los films de catástrofes, tal como Armageddon (representado por albóndigas gigantes y hasta la idea de colocar un programa para que explote el sistema de la maquina) y Twister (que es representado humorísticamente con un remolino de spaghetti). A esto se les une a una gama de personajes muy peculiares y que en algún momento podrán ser identificados por el público espectador con ciudadanos de su propio entorno.

Flint, es un personaje marginado en un mundo que suele considerarse normal. Ante sus ideas locas de pequeño en hacer un mundo mejor, es muchas veces malinterpretado y por ende es un ser aislado. Al no poder cumplir sus metas siempre tuvo la esperanza de llegar a ser alguien gracias a su madre, que no para de darle ánimos a su ingenioso hijo.

Pasan los años luego de la muerte de su madre y Flint mantiene la meta que desea llegar aunque no este ligado con sus vecinos ni con su propio padre, en el cual piensa que es momento de dejarse de juegos y lo ayude en la tienda de sardinas. El modelo del típico padre tradicional que en algunas ocasiones los padres se reconocen con él por no tener mucha habilidad en la computadora y considerar la tecnología como intranscendente.

Casi las escenas padre-hijo son muy importantes en este film, pues Flint busca hacer algo bien para que su padre se sienta orgulloso de él, sin embargo los principios de este “freak” son irreconocibles por el padre tradicional, indicando la lejanía que tienen algunos padres con sus hijos por no conocerlos bien.

El personaje del hipócrita y doble-cara del alcalde es uno de los personajes más entretenidos de este film. Criticando nuevamente la política de una manera descabellada, el alcalde de esta ciudad de pescadores hace todo lo posible por resaltar la ciudad con algunas imágenes famosas de Baby Brent, además de acreditarse por todo y ser reconocido en otras partes del país. Todo para resaltar su ego, ante la milagrosa lluvia de comida, el alcalde se acomoda en el nuevo proyecto de Flint haciéndole muchos pedidos y malogrando el sistema  de la máquina.

En el caso de Baby Brent, un personaje que es como un rey dentro de la ciudad con su imagen de niño en las latas de sardinas, se siente muy bien junto con sus ciudadanos viviendo la gran fama. Sin embargo, ante el rechazo del pueblo luego de la gran lluvia de comida, pierde su identidad como la imagen del enlatado de sardinas y piensa en su futuro como algo más.

Sam es el prospecto de la practicante nerviosa que sirve café hasta la oportunidad de reportar el clima en este olvidado pueblo de pescadores. Sam, nerviosa y algo reprimida por haber sido similar a Flint en el pasado, sólo que ella tuvo que cambiar para quedar bien con los demás alejándose de sus sueños. Ella y Flint tendrán atracción mutua, creando un romance poco común en estos tipos de films de catástrofes, donde los personajes no son muy atractivos por fuera, pero por dentro tienen más espíritu que un actor real.

La música no resalta mucho y los gráficos no son muy detallados. Sin embargo, este código de sencillez hace resaltar más la entretenida trama y las actitudes de los personajes. Sin duda alguna, los efectos se hacen mucho más vistosos junto a la posibilidad de presenciarlos en 3-D, pero aun así el film pesa más por su historia y no por sus efectos.

Lluvia de Hamburguesas es una buena opción para ir a divertirse y vivir a cada segundo la aventura de Flint. Aunque no haya existido mucha publicidad en nuestro país, es recomendable para todo público y estimula a los jóvenes en seguir sus metas aunque sean muy locas.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo

Un Tesoro LLamado Amistad

 

 

Klay Hall - TinkerBell y el Tesoro Perdido (TinkerBell and The Lost Treasure, 2009)

 

“Tinkerbell y el tesoro perdido” presenta nuevamente con la misma temática y animación de su película antecesora a la famosa hada de Disney junto a su poca conocida comunidad. Sin variar mucho el esquema, la protagonista se meterá en líos para salir a una nueva aventura, fortaleciendo los valores de trabajo en equipo y la gratitud de tener un amigo al lado.

 

Disney fairies decide nuevamente lanzar otro film con su más distinguida hada, que en un principio era un elemento secundario (refiriéndose a los films de Peter Pan), y su nuevo plantel de compañeros. Sin embargo, la historia ya no marca con mucha profundidad a sus compañeras hadas y sus oficios, como en su film anterior, pero toman en cuenta a Terrence y el lazo que los une como amigos.

Como remarcaron en el anterior film de Tinkerbell, cada hada nace con un estilo y habilidad diferente dividiéndolas en diferentes oficios para poder armar las estaciones del año en el mundo real. En esta oportunidad se tiene la misión de cumplir el fin del otoño junto con la luna azul, en el cual al ser reflejada en un cristal especial, hace que el árbol de las hadas aumente su producción de polvo de hadas (con lo que estos seres pueden volar).

La celebración solamente sucede cada ocho años y siempre se lleva la gema en un cetro forjado por un hada de diferente clase y Tinkerbell es la elegida (en este film, le toca a una hada artesana).

La aparición de Terrence como su compañero de trabajo le afectará los nervios a la desesperada hada y cometerá más de un error por su falta de concentración llegando a romper la gema y proponiéndose a ir fuera de su comunidad a encontrar un espejo mágico que puede concederle un deseo. Sin embargo, ella irá sola por no contar con su amigo Terrence y no valorar la amistad.

Tinkerbell y el tesoro perdido, como su anterior film, destaca nuevamente en la calidad de animación que posee presentando a un personaje tridimensional con cierto estilo clásico en sus movimientos y expresiones faciales, evitando perder la verdadera figura de Tinkerbell en este estilo de películas.

Ya la podemos ver ponerse roja cuando se enfurece y algunos gestos que normalmente se pierden en la animación por computadora pero que en Disney aun mantienen sus reglas como en la vieja escuela.

La calidad de los escenarios es una representación mágica de la realidad y la habilidad de convertir partes de la naturaleza en instrumentos para dirigir mariposas y realizar adornos para esta magnífica festividad llena de vida y lujos. Obviamente los colores predominantes en el otoño (naranja, rojo y marrón) son representados de una manera pura e inteligente, sintiendo al espectador participar en uno de los ambientes más hermosos que ha podido armar Disney en estos dos films de Tinkerbell.

Como todo film de Disney, la música y las canciones no pueden estar de lado. Sin duda alguna, el estilo de música es muy reconocida y entretenida, dando un toque especial al film complementando la trama y las acciones de los seres mágicos.

Sin embargo, la música de introducción y la del juglar en el teatro de hadas remarcan más en el film, puesto que posee un estilo al de la música irlandesa, muy al estilo celta, donde se cuentan muchas historias y describen seres fantásticos durante ese periodo de la humanidad.

Si lo vemos desde ese punto de vista, Tinkerbell y el tesoro perdido rompe esquemas en lo que se refiere a animación y en efectos especiales, unido a una música magistral. Sin embargo, Disney cae nuevamente en algunos temas muy repetitivos (pero no menos importantes) que es el poder de la amistad y saber valorar a las personas cercanas que hay en cada uno.

Aun así, el film maneja las acciones de un modo completo y evita momentos aburridos y escenas intranscendentes, manteniendo a uno cerca de la historia y sintiendo la pequeña pero eterna magia de Disney, a comparación de los primeros films de la empresa.

 

Por Luis Augusto Venegas Gandolfo